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O Pai dos meus Filhos

2012-02-12T18:38:00.000-08:00

Título original – Le Père des mes Enfants

País de origem – França/Alemanha

Diretor – Mia Hansen-Love

Gênero – Drama

Duração – 110 minutos

Ano – 2009

Esta obra da cineasta Mia Hansen-Love narra a história de Grégoire, um produtor de filmes, bem casado e pai de três filhos. Tudo vai muito bem, mas o lado profissional acaba não sendo tão bem sucedido assim. Com muitos filmes sendo produzidos, os riscos financeiros aumentam e, de certa forma, colocam a produtora em situação perigosa.

A trama parece ser simples, mas de alguma forma é claramente possível nos identificarmos em inúmeras situações do nosso mundo globalizado, intenso e competitivo. Grégoire tem uma vida agitada, está sempre correndo, fuma loucamente e não desgruda do telefone celular. Não há tempo para si e, menos ainda, para a família. Em contra partida temos a cobrança vinda da esposa e dos filhos, que embora tenham uma vida confortável, lhes falta o afeto. Algo bastante comum na sociedade atual.

“O Pai dos meus Filhos” tem um roteiro linear, eficiente e muito bem feito. Flavio de Campos, em seu livro “Roteiro de Cinema e Televisão”, faz uma abordagem sobre o ponto de virada: “Peripécia e ponto de virada estão contidos num incidente essencial e ocorrem num momento preciso da narrativa”. Muito bem, há na obra um ponto de virada que se revela espetacular. É provável que o espectador, ao se deparar com ele, questione se o filme chegou ao final. Puro engano e é exatamente por isso que ele se revela grandioso.

De qualquer forma, mesmo identificando que estamos diante de um roteiro muito bom, é possível percebermos que uma diminuição na narrativa daria uma força maior ao filme. A história se estende de uma maneira em que o espectador identifica que o desfecho já poderia ter sido dado. Ainda assim, isso não tira o brilho da obra.

O que dizer então da fotografia? Belíssima. Há diversas paisagens bucólicas, que enchem os olhos do espectador e engrandecem ainda mais o filme. Isso contribui muito para a obra que, por si só, já tem um aspecto mais contemplativo. O espectador mergulha profundamente no estado íntimo dos personagens e os cenários da natureza acabam, de certa forma, reforçando essa interioridade.

“O Pai dos meus Filhos” ganhou Prêmio Especial do Júri na Mostra Um Certo Olhar do Festival de Cannes 2009. É o segundo longa de Mia Hansen- Love, que se mostra uma cineasta habilidosa, pois consegue prender a plateia em uma narrativa que é contemporânea, delicada e, ao mesmo tempo, densa. Uma história que fala sobre a vida, os problemas, os sentimentos e, mais do que isso, a realização dos sonhos. Recomendado.

BIBLIOGRAFIA:

CAMPOS, Flavio de. Roteiro de Cinema e Televisão: A arte e a técnica de imaginar, perceber e narrar uma estória. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Editor. 1ª edição 2007, 407p.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/o-pai-dos-meus-filhos/ficha-tecnica-e-premios/>. Acesso em 02.2012.

Disponível em: <http://www.cineplayers.com/perfil.php?id=27152>. Acesso em 02.2012.

Disponível em: <https://pageofmadness.wordpress.com/2010/06/01/le-pere-de-mes-enfants/>. Acesso em 02.2012.

Tomboy

2012-01-24T18:10:00.000-08:00

Título original – Tomboy

País de origem – França

Diretor – Céline Sciamma

Gênero – Drama

Duração – 82 minutos

Ano – 2011

Um casal com duas filhas se muda para um condomínio. Aparentemente tudo é tranquilo. Laure, a mais velha, decide então explorar a vizinhança e é aí que os problemas começam a acontecer. Ao invés de se apresentar como uma garota decide se disfarçar de menino. Para isso utiliza um novo nome: Michäel. Aos poucos vai se enturmando com os meninos, ao mesmo tempo em que desenvolve uma paixão por Lisa, sua vizinha.

Essa é, na verdade, a temática de “Tomboy”, dirigido e roteirizado por Céline Sciamma, responsável também pelo filme “Lírios d’água”. Aqui ela consegue abordar um tema extremamente denso de forma delicada. Não somente trata da questão da homossexualidade, mas igualmente do preconceito, do amor, das descobertas, da aceitação, dos sentimentos. Tudo isso sob a ótica do universo infantil.

A narrativa basicamente tem sucesso em dois pontos: Roteiro e Direção de atores. A história é bem amarrada. Apesar de estarmos diante de um filme mais contemplativo, visto que não temos tanta ação, mas sim intensidade dramática, o espectador consegue permanecer concentrado do início ao fim. A todo instante ansiamos por saber até onde a farsa vai chegar e quais as consequências desta. Já as interpretações são fantásticas. O elenco infantil é convincente e chega até mesmo a nos emocionar. Há momentos mais dramáticos e outros mais sutis, já que podemos compartilhar o mundo infantil em seus diversos aspectos: as brincadeiras, mentiras, competições e segredos.

A Direção de Arte é simples, até porque o filme assim exige. Praticamente as cenas acontecem em dois ambientes: o apartamento de Laure e o pátio do condomínio. Tudo é conduzido e desenvolvido nestes locais.

“Tomboy” caminha de forma muito próxima ao excelente “Minha Vida em Cor-de-Rosa”, do belga Alain Berliner. Tema profundo tratado de maneira sensível, sutil, singela, praticamente poética. Isso, por si só, resulta no êxito destas narrativas.

A obra ganhou diversos prêmios, dentre eles o melhor filme LGBT do Festival de Berlim e melhor filme no Festival MixBrasil da Diversidade Sexual, ambos em 2011. Com isso Sciamma ganha não somente uma evidência no mundo do cinema autoral, mas também mostra ser uma diretora com uma visão ampla, criativa, contemporânea e, acima de tudo, original.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: < http://www.cineclick.com.br/filmes/ficha/nomefilme/tomboy/id/17976>. Acesso em 01.2012.

Disponível em: <http://www.cineclick.com.br/criticas/ficha/filme/tomboy/id/2878>. Acesso em 01.2012.

Disponível em: < http://www.imdb.com/title/tt1847731/>. Acesso em 01.2012.

Disponível em: < http://www.imdb.pt/name/nm1780037/>. Acesso em 01.2012.

Disponível em: <http://www.favodomellone.com.br/resenha/em-cartaz-tomboy-vencedor-do-festival-mixbrasil2011/>. Acesso em 01.2012.

Disponível em: <http://nossafamiliacolorida.blogspot.com/2011/11/filme-tomboy.html>. Acesso em 01.2012.

Apollo 18 - A Missão Proibida

2011-09-22T14:44:00.000-07:00

Título original – Apollo 18

País de origem – Estados Unidos

Diretor – Gonzalo López-Gallego

Gênero – Ficção Científica

Duração – 88 minutos

Ano – 2011

Os apreciadores das obras de Ficção Científica, vez ou outra, são contemplados com lançamentos de alguns títulos. E neste universo temos aquela velha união entre a ficção espacial com o suspense e, principalmente, o terror. Muito provavelmente o título mais famoso e que alia estes elementos é a franquia Alien. Filmes intensos, cheios de ação e com alienígenas que são criaturas feias, sombrias, assustadoras e letais. Desde “Alien: o Oitavo Passageiro”, dirigido por Ridley Scott, muito pouco se tem visto de originalidade em termos de concepção de um personagem extraterrestre, tanto no conceito físico quanto no psicológico.

Com “Apollo 18 – A Missão Proibida”, o cineasta espanhol Gonzalo López-Gallego aposta nesta mescla de gêneros. Mas a coisa não para por aí. A narrativa tem também a pretensão de parecer um registro real. Assim como já foi feito em “A Bruxa de Blair”, de Daniel Myrick e Eduardo Sánchez, e em várias outras obras que seguem esta estética, o filme apresenta registros do cotidiano simulando situações reais, imagens escuras, câmeras trêmulas e, obviamente, orçamento reduzido. É uma fórmula interessante, mas já está se tornando repetitiva e sem novidade alguma.

A história é a seguinte: A NASA envia secretamente a nave Apollo 18 à Lua, contando com dois tripulantes a bordo e um piloto em órbita. Ao chegarem ao local, os astronautas dão início a uma exploração. Tudo parece que vai bem até que coisas estranhas começam a acontecer.

A partir disso a narrativa vai se sustentando em cima dos sustos e da expectativa dos astronautas, e também do público, em ver o que de fato habita o planeta. Há diversos momentos de tensão e o diretor cria um clima de angústia que até é interessante, mas nada mais do que isso. E em função do tipo de estética adotado não há como avaliarmos fatores como direção de arte, enquadramentos ou luz, ou seja, a obra se fixa exclusivamente no roteiro e nas atuações. E temos aqui um roteiro que não é algo inédito nem extremamente criativo. Identificamos de alguma forma certa previsibilidade. Não sabemos quais são as criaturas que habitam a Lua, mas é certo que há algo ameaçador no local e que os tripulantes certamente correm perigo. E conforme a exibição vai acontecendo, o filme acaba se tornando cansativo, fazendo com que o espectador deseje ver a conclusão o quanto antes. Quanto às atuações, não vemos nomes famosos e nem interpretações soberanas. Infelizmente nada a ser destacado.

López-Gallego já foi responsável por outras direções como “Nómadas” e “El Rey de La Montaña”, filmes que não apresentaram tanta repercussão. Certamente “Apollo 18 – A Missão Proibida” foi criado com a intenção de buscar um reconhecimento maior. Talvez consigam em especial pelo recurso estético utilizado que está se tornando cada vez mais popular, mas ainda é uma obra que não consegue cativar o público do início ao fim.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://omelete.uol.com.br/apollo-18/cinema/apollo-18-critica/>. Acesso em 09.2011.

Disponível em: <http://cinema.uol.com.br/ultnot/reuters/2011/09/01/apollo-18-apela-para-falso-documentario-para-assustar.jhtm>. Acesso em 09.2011.

Disponível em: <http://www.imdb.pt/name/nm1018426/>. Acesso em 09.2011.

Disponível em: <http://revistaup.com/2011/09/apollo-18-e-o-destaque-do-fim-de-semana-veja-programacao/>. Acesso em 09.2011.

X-Men: Primeira Classe

2011-06-30T15:29:00.000-07:00

Título original – X-Men: First Class

País de origem – Estados Unidos

Diretor – Matthew Vaughn

Gênero – Aventura

Duração – 132 minutos

Ano – 2011

Matthew Vaughn é um diretor britânico responsável por sucessos como “Stardust – O Mistério da Estrela” e “Kick-Ass – Quebrando Tudo”. É também produtor destes mesmos títulos e dos famosos “Snatch – Porcos e Diamantes” e “Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes”. Inegável que este inglês possui um currículo bastante recomendado e, para enriquecê-lo ainda mais, soma-se a sua filmografia o título mais recente: “X-Men – Primeira Classe”. A princípio o diretor desta obra seria Bryan Singer, o mesmo que dirigiu os dois primeiros X-Men, mas ele teve que abandonar o projeto por problemas com sua agenda.

Muito bem. A história é simples. Na verdade o filme conta como começou a saga dos mutantes. E justamente por ser tão simples, a narrativa é bastante interessante. O espectador tem acesso a inúmeros fatos: O início da amizade entre Charles Xavier e Erick Lensherr; a formação da escola de mutantes; a rivalidade entre Magneto e o Professor X; a transformação de Hank McCoy em Fera; a paralisia do Professor Xavier. Tudo é satisfatoriamente explicado.

Caminhando em sentido contrário ao do último filme da saga – “X-Men Origens: Wolverine” - de Gavin Hood, que muito prometeu e que pouco cumpriu, a obra de Vaughn se mostra bem mais competente e, principalmente, mais empolgante. O roteiro é bem amarrado, os atores são bons, há um equilíbrio entre a história e as cenas de ação, os efeitos especiais são interessantes. “X-Men: Primeira Classe” é aquele filme cujos efeitos não são o atrativo principal da história, como é comum acontecer em diversas obras que seguem este estilo. Os efeitos aqui, embora chamem a atenção, ajudam a compor todo o universo narrativo. Outro fator que merece destaque é a Direção de Arte da obra: cenários muito bem feitos e objetos de cena que enriquecem a proposta fílmica. Isso pode ser observado principalmente em cenas que mostram a residência de Xavier e as que retratam o período da 2ª Guerra.

E ao observarmos a obra de Vaughn com maior atenção, percebemos que o universo dos mutantes pode ir bem além do simples entretenimento. Óbvio que a intenção da realização deste filme é a diversão, mas é fato que os seres superdotados que ali aparecem podem ser perfeitamente enquadrados na sociedade em que vivemos. E entre um mutante e outro podemos identificar, no nosso cotidiano, as diferentes classes sociais, raças, orientações sexuais e quaisquer outros elementos que possam caracterizar alguma diversidade. E essa diferenciação, por si só, é suficiente para gerar qualquer tipo de exclusão. Ao analisarmos a narrativa dos mutantes desta maneira, conseguimos ver um filme contemporâneo e repleto de críticas à sociedade. E há um exemplo forte, no que diz respeito ao preconceito, em uma frase que Magneto direciona à Mística: “Como pode você querer ser aceita por eles, se não aceita a si mesma?”.

O roteiro desta obra de Vaughn foi escrito a oito mãos, contando inclusive com a participação dele mesmo, mas teve que ser reescrito após o lançamento do filme “A Origem” de Christopher Nolan, visto que algumas cenas estavam extremamente parecidas.

“X-Men: Primeira Classe” não é o melhor filme da saga dos mutantes, mas certamente é uma obra digna e de qualidade, mostrando que o diretor não fez simplesmente mais um dos muitos filmes de heróis que tanto tem surgido nas telas dos cinemas e que, em geral, não empolgam tanto assim.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/x-men-primeira-classe/>. Acesso em 06.2011.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/colunas/x-men-primeira-classe-1116/>. Acesso em 06.2011.

Disponível em: <http://www.cinepop.com.br/filmes/xmenprimeiraclasse.php>. Acesso em 06.2011.

Disponível em: <http://www.cinepop.com.br/criticas/x-men-primeira-classe_101.htm>. Acesso em 06.2011.

Sobrenatural

2011-05-30T22:24:00.000-07:00

Título original – Insidious

País de origem – Estados Unidos

Diretor – James Wan

Gênero – Terror

Duração – 102 minutos

Ano – 2011

O australiano James Wan é um diretor que demonstra ter uma predileção e, até mesmo, habilidade para trabalhar com filmes de terror. É sob suas mãos que encontramos títulos como o aclamado “Jogos Mortais” e também “Gritos Mortais”. Deixando um pouco de lado a tortura física e o excesso de sangue, este cineasta lança “Sobrenatural”, um longa que aborda uma temática mais ligada ao espiritualismo e aos fenômenos paranormais, mas sem deixar de lado o gênero que parece tanto apreciar.

A história gira em torno de uma família que tem três filhos. Repentinamente um deles entra em coma e os médicos não conseguem entender o motivo. Logo a mãe percebe que a casa é assombrada. Para se livrar disso a família resolve se mudar, mas acaba percebendo que as manifestações fantasmagóricas estão no novo lar também. Muito bem. A ideia até demonstra originalidade, pois o que vemos em geral é o contrário, ou seja, as casas são assombradas e não os membros que nelas habitam.

Wan cria uma atmosfera que é, de fato, bastante assustadora: pouca luz, barulhos, sustos, seres macabros, suspense. Consegue fazer com que o espectador fique tenso e, desta forma, adentre o universo do terror de maneira intensa.

O roteiro é interessante e o espectador ânsia por entender o segredo da história: Qual o motivo da coma do garoto e qual a relação com os seres espirituais que, a todo o momento, se manifestam? Pois bem. A história avança e a justificativa que se segue acaba, de uma forma geral, decepcionando o público. E é justamente aí que “Sobrenatural” acaba perdendo a credibilidade. E mais do que isso. A história perde o rumo por completo: personagens entram e saem sem grandes justificativas; o que deveria ser sério e assustador acaba se transformando em algo próximo a uma paródia; a explicação dos fenômenos não é tão convincente.

E se o público prestar bastante atenção verá que “Sobrenatural” é inspirado em “Poltergeist – O Fenômeno”, dirigido por Tobe Hooper. Além da semelhança no estilo, identificamos vários outros fatos: A família com três filhos; as manifestações espirituais; a presença da médium tentando expulsar os espíritos; o chamado desesperado para que a criança retorne. Bem mais do que beber da mesma fonte, podemos dizer que a obra de Wan é quase um plágio da obra de Hooper. E este acaba sendo um dos grandes motivos para fazer com que a narrativa perca muito de sua força. Há, é claro, vários aspectos que também são importantes e interessantes nesta narrativa, como a fotografia e os efeitos especiais, que embora sejam simples, não fazem feio.

Há ainda alguns pontos importantes a serem mencionados quanto à presença da médium: Para que colocar dois assistentes tão atrapalhados e quase caricatos na trama? Para que usar uma máscara tão exagerada em uma atividade espiritual? Estes detalhes, certamente, tiram todo o efeito e o clima de terror que tão bem foram colocados, em especial, no início da narrativa. E conforme o filme vai sendo exibido, vemos que a história vai se tornando menos densa e mais desinteressante, culminando em um final que até surpreende um pouco, mas que está distante de ser grandioso.

O filme contou com um orçamento de apenas US$ 1 milhão e com a presença de Oren Peli na produção. Para quem não sabe, Peli criou e dirigiu o comentado “Atividade Paranormal”. Pois bem, com um time de produtor e diretor tão grandiosos no gênero do terror, certamente o público esperava e até mesmo merecia uma obra mais consistente e eficiente. Infelizmente isso não foi possível e agora resta aguardarmos os futuros trabalhos destes profissionais, torcendo apenas para que sigam um caminho um pouco diferente do que fizeram em “Sobrenatural”.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/sobrenatural/>. Acesso em 05.2011.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/colunas/sobrenatural-1084/>. Acesso em 05.2011.

Disponível em: <http://oglobo.globo.com/cultura/mat/2011/04/20/sobrenatural-nao-herda-os-sustos-de-jogos-mortais-924287085.asp>. Acesso em 05.2011.

Disponível em: <http://fcyy.blogspot.com/2011/04/sobrenatural-o-filme.html>. Acesso em 05.2011.

Os Famosos e os Duendes da Morte

2011-04-28T22:28:00.000-07:00

Título original – Os Famosos e os Duendes da Morte

País de origem – Brasil

Diretor – Esmir Filho

Gênero – Drama

Duração – 95 minutos

Ano – 2009

Esmir Filho já é uma figura bastante conhecida no meio cinematográfico nacional em função dos diversos curtas já lançados, em especial pelo seu trabalho mais popular que é a obra “Tapa na Pantera”, com a atriz Maria Alice Vergueiro.

Sob um curioso e até mesmo estranho título, Esmir lança o seu primeiro longa: “Os Famosos e os Duendes da Morte”.

A história se passa no interior do Rio Grande do Sul. Lá vive um jovem que, ao usar a internet, assina com o codinome de Mr. Tambourine Man. Seu grande desejo é justamente sair da cidadezinha pacata e sem graça em que vive e vislumbrar novos horizontes. A trama ainda apresenta um mistério: um homem enigmático surge na região e irá trazer lembranças para o rapaz.

A partir daí o espectador irá se deparar com os anseios, problemas, inconformismos, lembranças e angústias do jovem Tambourine Man.

Esmir Filho dá um tom poético, sensível e delicado à narrativa; mergulha profundamente no interior do rapaz, trazendo à tona as suas vontades e exibindo seus pensamentos e suas fugas; convida o espectador a participar da experiência que, por vezes, se torna quase surreal; mostra as maneiras de se lidar e conviver com a solidão.

O diretor utiliza uma linguagem contemporânea, pois o rapaz estabelece o contato com o mundo exterior, de forma mais plena, através do mundo virtual: Blog, Flickr, Msn e YouTube são referências constantes. Na realidade estas ferramentas funcionam como a grande forma de comunicação com o mundo.

Há ainda a mãe do protagonista: uma senhora viúva que, para fugir da solidão e preencher o seu vazio, conversa com seu cachorro como se este fosse seu filho. Um grande exemplo de isolamento e de falta de diálogo com o ser humano.

“Os Famosos e os Duendes da Morte” é um filme que, em um primeiro momento, pode parecer cansativo, pois é muito diferente do que comumente vemos no cinema nacional. Não há tiros, correrias, violência, prostituição, favelas, grandes metrópoles e nem mesmo atores famosos. É uma narrativa lenta, extremamente lenta e que requer um olhar contemplativo e diferenciado. É uma história que explora o interior do personagem.

Além disso, Esmir Filho realiza uma obra esteticamente muito bem feita, pois utiliza belos enquadramentos, tornando assim as cenas grandiosas. Há inúmeros exemplos: Um Plongée de uma ponte, cujo resultado é uma imagem bela, misteriosa e enigmática; a cena da borboleta que agoniza ao chão soa delicada e poética, ao mesmo tempo em que há uma densidade dramática; as imagens da jovem misteriosa em meio ao campo, dando a impressão de estarmos diante de uma alma perdida; o belíssimo Plongée circular de um gira-gira.

“Os Famosos e os Duendes da Morte” é uma obra baseada no romance do escritor Ismael Caneppele, que também assina o roteiro juntamente com o diretor.

O filme estreou no Festival de Locarno e ganhou alguns prêmios, dentre eles o de melhor filme no Festival do Rio e Prêmio Público Milênio de Melhor Longa Iberoamericano de Ficção no Festival Internacional de Cinema de Guadalajara.

Certamente a narrativa de Esmir Filho não irá agradar a grande maioria, mas não podemos negar, de forma alguma, que este diretor apresenta um trabalho não somente diferenciado, mas acima de tudo original. E é por todos os fatores aqui descritos que ele mostra que veio para ganhar o jogo e para se tornar um grande nome no cinema nacional.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cinema/critica-os-famosos-e-os-duendes-da-morte/>. Acesso em 04.2011.

Disponível em: <http://www.fredburlenocinema.com/2010/04/critica-os-famosos-e-os-duendes-da.html>. Acesso em 04.2011.

Disponível em: <http://www.portacurtas.com.br/buscaficha.asp?Diret=11444>. Acesso em 04.2011.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/os-famosos-e-os-duendes-da-morte/ficha-tecnica-e-premios/>. Acesso em 04.2011.

Disponível em: <http://www.ufscar.br/rua/site/?p=2833>. Acesso em 04.2011.

Coraline e o Mundo Secreto

2011-03-30T22:26:00.000-07:00

Título original – Coraline

País de origem – Estados Unidos

Diretor – Henry Selick

Gênero – Animação

Duração – 101 minutos

Ano – 2009

Coraline é uma menina que se muda com seus pais para uma enorme casa. Sentindo-se entediada com o local e solitária com a vida que leva, a garota encontra uma passagem secreta que a conduz para outro mundo. Este novo mundo é, na verdade, exatamente igual ao que vive, porém todos os aspectos que ela considera ruim em seu mundo real são absolutamente perfeitos no novo mundo. Ela então se sente entusiasmada com esta descoberta, mas com o tempo percebe que as coisas não são exatamente como parecem ser, pois seus pais alternativos tentam aprisioná-la.

E é com esta trama que o diretor Henry Selick conduz a narrativa de “Coraline e o Mundo Secreto”. Selick, que também já dirigiu animações como “James e o Pêssego Gigante” e “O Estranho Mundo de Jack”, caminha na mesma linha destas, ou seja, utiliza a técnica do stop-motion. E aqui, mais do que isso, o diretor usa também os efeitos 3D, tornando assim sua obra bastante peculiar.

“Coraline e o Mundo Secreto” é uma obra repleta de detalhes que encantam os olhos do espectador. A Direção de Arte, a Fotografia e a Trilha Sonora são pontos fortes e, sem sombra de dúvidas, se harmonizam perfeitamente criando um clima soturno, obscuro e amedrontador, fortalecendo e contribuindo com a proposta que a obra se pretende.

Mais do que uma animação que pretende atingir o público infantil, a obra de Selick traz uma temática bastante adulta e, acima de tudo, contemporânea. A jovem Coraline é uma menina solitária, pois seus pais não têm nenhum tempo para ela, visto que estão constantemente trabalhando. Em contra partida, a menina somente começa a valorizar o que possui quando se dá conta que está perdendo. Neste sentido o filme nos traz uma visão do mundo moderno e até mesmo da insatisfação humana: a ausência dos pais no cotidiano dos filhos; o mergulho das pessoas no mundo do trabalho, deixando de lado suas próprias vidas e dos que amam; o descontentamento das pessoas diante da realidade que vivem; a fuga do mundo real para o mundo paralelo, em geral, melhor e mais confortável.

E no universo imaginário há um detalhe muito curioso, pois as pessoas que lá habitam possuem os olhos substituídos por botões. E isso, em uma análise social, talvez possa representar a cegueira das pessoas diante do que o mundo pode proporcionar. É o que ocorre com Coraline. Vê apenas o aparentemente belo que o irreal lhe permite ver. É fato também que este tipo de moral acaba sendo clichê, mas o clichê funciona, e muito bem.

Ainda que com tantos elementos ricos em termos de interpretação e de detalhes técnicos minuciosos e esteticamente inquestionáveis, a narrativa parece sofrer com certa falta de ritmo. A obra é uma aventura mas, de alguma forma, as ações ou demoram a acontecer ou não possuem grande impacto. Obviamente possui um ritmo e uma linguagem muito distintos das animações da Pixar, que são mais intensas e que tendem a valorizar muito as ações propriamente ditas.

O roteiro, assinado pelo próprio diretor, é linear e apresenta vários elementos da Jornada do Herói: o mundo cotidiano e sem graça; o chamado à aventura; o cruzamento do portal; a recompensa; o caminho de volta.

Tudo isso é absolutamente clássico e funcional também.

Se notar com certa atenção, o espectador irá perceber até mesmo algumas semelhanças nesta obra com outras já conhecidas como “O Labirinto do Fauno” de Guillermo Del Toro e “O Jardim Secreto” de Agnieszka Holland. Embora sejam histórias diferentes, em todas elas encontramos o ambiente frio, desconfortável e solitário e a busca de um lugar que pode ser mágico e, de alguma forma, trazer um alento para os que sofrem.

Como se trata de uma obra adaptada do escritor Neil Gaiman, a história sofreu pequenas alterações. Em entrevista ao site Omelete, o diretor fala a respeito disso: “O objetivo desde o início foi passar com o filme a exata mesma sensação que o livro dá. Mas para tanto ampliamos alguns personagens, mudamos o diálogo – ainda que a premissa seja exatamente a mesma.”.

E segundo Selick este trabalho foi bastante demorado a ser concluído. Ele afirma que permaneceu quase quatro anos, sem contar o tempo das escritas do roteiro e os encontros com o escritor. No total foram oito anos lidando com o projeto. Isso, por si só, já indica o cuidado e a preocupação do diretor em realizar uma obra que seja marcante.

“Coraline e o Mundo Secreto” teve algumas indicações a prêmios, dentre elas o Oscar e o Globo de Ouro em 2010, ambos na categoria de Melhor Filme de Animação. Seu orçamento foi de 35 milhões de dólares.

Certamente este trabalho de Selick é muito interessante, embora não tão empolgante no que diz respeito à história em si. E para os cinéfilos e fãs de animação, resta agora aguardar sua próxima obra: outra adaptação de um livro infantil chamado “Here Be Monsters!”.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/coraline/noticias-e-curiosidades/>. Acesso em 03.2011.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/coraline/ficha-tecnica-e-premios/>. Acesso em 03.2011.

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cinema/coraline-e-o-mundo-secreto/>. Acesso em 03.2011.

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cinema/omelete-entrevista-henry-selick-o-diretor-de-coraline-e-o-mundo-secreto/>. Acesso em 03.2011.

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cinema/diretor-de-o-estranho-mundo-de-jack-adaptara-here-be-monsters/>. Acesso em 03.2011.

Disponível em: < http://www.caligraffiti.com.br/coraline-e-o-mundo-secreto/>. Acesso em 03.2011.

A Morte e Vida de Charlie

2011-02-28T15:31:00.000-08:00

Título original – Charlie St. Cloud

País de origem – Estados Unidos / Canadá

Diretor – Burr Steers

Gênero – Drama

Duração – 90 minutos

Ano – 2010

Baseado no livro “The Death and Life of Charlie St. Cloud” de Ben Sherwood, o diretor Burr Steers realiza o longa “A Morte e Vida de Charlie”. Trata-se de uma narrativa cuja temática está ligada ao mundo espiritual. Mais do que simplesmente isso, Steers passa mensagens sobre destino, crença e amor.

A história é a seguinte: Dois irmãos são muito ligados, mas um deles sofre um acidente e morre. Charlie, o mais velho, sobrevive, mas não consegue se recuperar diante da perda do mais novo. Anos mais tarde, ele vai trabalhar como zelador do cemitério em que o irmão está enterrado. Todo final de tarde, ambos se reencontram, até que um dia Charlie se apaixona por uma jovem. E o grande conflito começa exatamente aqui, pois o protagonista deverá decidir se irá seguir seu destino ou se dedicar ao espírito do irmão que para ele aparece.

Não é necessariamente um assunto inédito ou original a ser apresentado na tela grande. Pelo contrário. Temos visto inúmeros exemplos que trazem este tipo de abordagem espiritualista. Filmes como “Nosso Lar” de Wagner de Assis e “Os Outros” de Alejandro Amenábar já abordaram tal tema, utilizando, obviamente, linguagens diferenciadas.

Em “A Morte e Vida de Charlie” temos o mundo espiritual e suas manifestações ligadas ao universo do drama e do romance, das situações de perda, culpa, falta de fé, conflitos de família.

E a obra de Steers, mesmo não sendo extremamente original, acaba tendo um resultado bastante interessante. O filme emociona em vários momentos, o roteiro é interessante e apresenta surpresas em seu decorrer, mas o grande ponto alto é, sem sombra de dúvida, a bela fotografia, pois traz planos gerais maravilhosos e que evidenciam as paisagens da natureza.

Quanto ao elenco, o filme traz nomes já bastante conhecidos como Ray Liotta e Kim Basinger, que acabam fazendo rápidas participações. Já o cargo de protagonista ficou sob a responsabilidade de Zac Efron de “High School Musical”, que embora não apresente uma performance excepcional, parece cumprir o papel a que foi destinado. Efron já trabalhou com Steers no longa intitulado “17 Outra Vez”.

“A Morte e Vida de Charlie” é um filme onde encontramos sensibilidade, emoção e dramaticidade e, embora um pouco clichê na temática, consegue manter o espectador atento e envolvido. Uma obra que merece ser conferida.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://cinema10.com.br/filme/a-morte-e-vida-de-charlie>. Acesso em 02.2010.

Disponível em: <http://cinemacomrapadura.com.br/filmes/168819/morte-e-vida-de-charlie-a-2010/>. Acesso em 02.2010.

Disponível em: <http://www.cinedica.com.br/Artista-Burr-Steers-4459.php>. Acesso em 02.2010.

Disponível em: <http://www.buscafilme.com.br/wp-content/uploads/2011/01/filme-a-morte-e-vida-de-charlie1.jpg>. Acesso em 02.2010.

Vinil Verde

2011-01-31T14:35:00.000-08:00

Título original – Vinil Verde

País de origem – Brasil

Diretor – Kleber Mendonça Filho

Gênero – Ficção

Duração – 17 minutos

Ano – 2004

Inspirado em uma fábula infantil russa chamada “Luvas Verdes”, o pernambucano Kleber Mendonça Filho, em 2004, dá origem ao curta-metragem “Vinil Verde”.

A História é simples: Uma garota ganha um presente de sua mãe. Trata-se de uma caixa com uma vitrolinha e vários disquinhos coloridos. Ela pode ouvir todos eles, exceto aquele de cor verde. Obviamente a pequena não segue os conselhos da mãe e, a partir daí, a narrativa vai tomando um rumo mais denso e surpreendente.

Utilizando uma estética diferenciada e bastante original, a obra é inusitada do início ao fim. Recheado de surpresas e muitos mistérios, “Vinil Verde” conduz o espectador a um universo que é fatalista, triste, trágico, obscuro, amedrontador, mas ao mesmo tempo apresenta elementos de humor. Conseguimos até mesmo adentrar, através do personagem da filha, o mundo infantil: os brinquedos, as brincadeiras, a relação afetiva com a mãe, a desobediência.

Praticamente não há realismo em nada. Predomina o universo do absurdo, do fantástico, do surreal, do imaginário e do medo.

Com um orçamento pequeno, Kleber utilizou cerca de 500 fotografias para concretizar sua obra. Não há imagens em movimento, exceto alguns closes do disco verde rodando na vitrola, o que faz com que o objeto tenha ainda mais evidência e significação.

Gabriela Souza e Verônica Alves, as atrizes da narrativa, conseguem ser convincentes. Aliado a elas temos a ótima voz de Ivan Soares, que é o responsável por narrar todo o filme.

A trilha sonora faz menção às luvas verdes, inserindo assim o espectador à realidade da história.

Os efeitos de som são competentes, eficazes. Chega a ser nostálgico ouvirmos o ruído emitido pelo disquinho toda vez que ele é executado.

E apesar de estarmos diante de uma obra muito diferente do que comumente vemos, a grande habilidade do diretor está justamente em prender a atenção do público. Isso ele faz de forma singular, utilizando um roteiro muito bem estruturado. O espectador deseja, a qualquer custo, acompanhar o andamento da narrativa e esperar os acontecimentos que se sucedem toda vez que o disquinho verde é ouvido. A cena final é aguardada ansiosamente. Não por se considerar o filme ruim, mas sim por se desejar um fechamento, uma conclusão para o contexto narrativo.

Kleber Mendonça Filho é responsável por outras obras cinematográficas como “A Menina do Algodão” e “Eletrodoméstica”. É jornalista, crítico de cinema e criador do site Cinemascópio. Em “Vinil Verde”, além da direção, assume também outras funções: som, roteiro, montagem, design e edição de som.

Ganhador de diversos prêmios e um dos representantes do Brasil no Festival de Cannes, “Vinil Verde” transmite inúmeras e variadas sensações. Uma obra que provavelmente não agradará a todos, mas fato é que, de alguma forma, este filme chama a atenção e dá muito que falar. Sem sombra de dúvidas, uma obra inigualável.

E para os interessados em conferir a narrativa, gentileza acessar o link abaixo:

Vinil Verde.

BIBLIOGRAFIA

Disponível em: <http://www.revistasim.com.br/asp/materia.asp?idtexto=2099>. Acesso em 01.11.

Disponível em: <http://filmesbrazukas.blogspot.com/2010/11/vinil-verde2004.html>. Acesso em 01.11.

Disponível em:<http://2.bp.blogspot.com/_s3qjFsXQXqE/TN-vCUy75-I/AAAAAAAAAeM/Mmsh7sOISlk/s1600/vinilverde.jpg>. Acesso em 01.11.

Enterrado Vivo

2010-12-30T18:59:00.000-08:00

Título original – Buried

País de origem – Espanha

Diretor – Rodrigo Cortés

Gênero – Suspense

Duração – 95 minutos

Ano – 2010

Paul é americano e trabalha como motorista de caminhão no Iraque. De repente ele acorda em um local estranho e escuro. Vagarosamente percebe estar enterrado em um caixão. Encontra apenas um isqueiro e um aparelho celular. Sem saber o motivo de estar ali, Paul mantém contato com seu sequestrador. Este, por sua vez, exige dinheiro para libertá-lo. A partir daí temos intensas tentativas de negociação e uma corrida contra o tempo. O ar está acabando e a bateria do celular também.

Esta é a temática do filme “Enterrado Vivo”, dirigido por Rodrigo Cortés. Este espanhol não é tão conhecido em nossas terras, sendo esta sua segunda direção em longa metragem. Sua estreia foi em 2007 com o filme “O Participante”, que ganhou vários prêmios, incluindo o Prêmio da Crítica no Málaga Film Festival. Cortés iniciou sua carreira com alguns curtas e aos 25 anos ganhou vários prêmios com um curta chamado “Yul”.

Em “Enterrado Vivo”, podemos certamente afirmar que Cortés foi bastante ousado. O filme conta apenas com o ator Ryan Reynolds em cena e toda a condução narrativa se dá através das conversas e possível acordos realizados através de um celular; a fotografia do filme é escura e, em alguns momentos, segundo o próprio diretor, cerca de 70% da obra foi feita com a luz dos elementos utilizados em cena como o isqueiro e o celular; o cenário é o mesmo o tempo todo, pois o que vemos é somente o apertado caixão onde toda a história se desenvolve.

“Enterrado Vivo” é um filme tenso, claustrofóbico, angustiante e que causa grande impacto. O espectador se identifica com o protagonista e, desesperadamente, torce por sua salvação e libertação diante das inúmeras adversidades que vão aparecendo ao longo da trama. E todos estes elementos que fazem esta obra tão ousada, não são, infelizmente, suficientes para torná-la interessante. Uma pena.

Inicialmente a proposta parece funcionar, mas ao longo dos 95 minutos de exibição o espectador já se encontra tão angustiado quanto o protagonista dentro do caixão. A narrativa se torna cansativa, pois basicamente nada acontece. Tudo fica na expectativa do que pode ou não acontecer. E para o cinema, trabalhar em cima das expectativas é um processo interessante, funcional e que consegue prender o público. E obviamente aqui não acontece diferente, pois ficamos ansiosos em ver o desfecho da história. O grande problema é que o filme se apoia nos diálogos dos telefonemas. E o espectador quer mais do que simples diálogos ou negociações onde não se desenvolva uma ação mínima que seja, afinal de contas, o cinema é feito de imagens e não de palavras.

Há também alguns pontos que fazem o público questionar muito: Será que um celular teria algum sinal embaixo da terra e no interior de um caixão? Quanto tempo o protagonista aguentaria respirar, tendo ainda que conversar com tanta gente pelo telefone? Por qual motivo o protagonista estava amarrado e amordaçado, se o intuito era justamente estabelecer uma comunicação com ele? Esses pontos parecem tornar a obra não tão convincente assim, principalmente quando pensamos em estrutura dramática, elaboração de roteiro e verossimilhança.

Um pouco além do suspense, a narrativa também apresenta pontos de crítica bastante interessantes: o funcionamento e burocracia dos sistemas de telemarketing; as relações governamentais; o sistema trabalhista. Isso tudo enriquece a obra, embora não compense as lacunas que o filme apresenta.

O ator Ryan Reynolds segura bem o filme, pois demonstra uma atuação boa. Além disso, segundo as declarações de Cortés, o filme foi rodado em 17 dias, pois Reynolds precisava ser liberado para a realização do longa “Lanterna Verde”. Em entrevista ao site Omelete, o diretor declara: “... em vez de filmarmos de 8 a 10 cenas por dia, acabamos fazendo entre 30 e 35. Em um dia fizemos 52!”.

E quanto aos planos com o uso de um único ator, ele complementa: “O difícil não é fazer o filme dentro de um caixão, mas sim fazê-lo em tempo real porque os cortes são feitos do Ryan para o Ryan, do Ryan para o Ryan e do Ryan para o Ryan de novo. Não existe um outro ator para mostrar.”. E o diretor também afirma que o filme foi rodado em ordem cronológica e a edição era feita enquanto as filmagens aconteciam. Cortés também utilizou sete caixões com aberturas diferentes para criar a realidade da narrativa.

“Enterrado Vivo” teve um orçamento de três milhões de dólares e fez grande sucesso no Festival de Sundance. E apesar de não ser um filme tão bem amarrado, mostrar algumas incoerências e exageros, nos revela um cineasta que parece ser bastante promissor. E certamente isso nós poderemos constatar em breve com o seu próximo filme, que será rodado a partir de fevereiro de 2011 e se chamará “Red Lights”.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cinema/enterrado-vivo-omelete-entrevista-rodrigo-cortes/>. Acesso em 12.2010.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/enterrado-vivo/ficha-tecnica-e-premios/>. Acesso em 12.2010.

Disponível em: <http://www.coadjuvante.com/tag/rodrigo-cortes/>. Acesso em 12.2010.

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cinema/enterrado-vivo-critica/>. Acesso em 12.2010.

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cinema/red-lights-novo-filme-do-diretor-de-enterrado-contrata-cillian-murphy/>. Acesso em 12.2010.

Disponível em: <http://filmes.etc.br/filme-enterrado-vivo-2010.html>. Acesso em 12.2010.

Atividade Paranormal 2

2010-11-29T15:39:00.000-08:00

Título original – Paranormal Activity 2

País de origem – Estados Unidos

Diretor – Tod Williams

Gênero – Terror

Duração – 91 minutos

Ano – 2010

O filme “Atividade Paranormal” foi lançado em 2007 e apresentou, como estratégia, uma estética não tão original, mas que garantiu sucesso e rendeu uma bilheteria muito lucrativa.

Utilizando a mesma técnica de filmes como “A Bruxa de Blair” e “Rec”, a narrativa apresentava uma história de terror simulando cenas reais, ou seja, os protagonistas, durante todo o tempo, estavam com a câmera na mão registrando os acontecimentos do cotidiano e, consequentemente, os fatos fantasmagóricos também eram ali evidenciados.

Foram gastos 11 mil dólares para se concluir a obra e arrecadados mais de 180 milhões de dólares no mundo todo. Um resultado absolutamente satisfatório.

Tentando repetir a fórmula do sucesso, três anos depois, pelas mãos do diretor Tod Williams, a Paramount Pictures apresenta a continuação desta obra.

“Atividade Paranormal 2” segue a mesma estética, mas desta vez o orçamento gasto é um pouco diferente, pois conta com 3 milhões de dólares. Um valor alto diante do primeiro filme, porém pequeno para os padrões de Hollywood.

Apesar de estarmos diante de uma continuação, a obra nos apresenta uma história que é anterior aos fatos do primeiro filme.

Uma família vive de forma aparentemente tranquila. Em um determinado dia, ao chegarem a casa, encontram tudo revirado. Desconfiados com o ocorrido, decidem instalar câmeras na residência. Além das câmeras de segurança, os moradores utilizam uma filmadora e possuem o hábito de gravar a rotina diária. A partir daí várias situações estranhas começam a acontecer e a casa parece estar assombrada.

Além de utilizarem a mesma estética, temos basicamente a mesma situação do primeiro filme: sustos, clima de suspense, imagens escuras e trêmulas, sons assustadores e muita tensão.

Williams, que é também o mesmo diretor de “Provocação”, apresenta um trabalho que não é absolutamente original, mas ainda assim traz alguns pontos interessantes.

A atmosfera de medo e o clima de suspense são muito intensos. O diretor, de fato, consegue dar este tom de forma bastante fiel, representando assim o gênero de maneira eficaz.

Quanto ao roteiro, podemos dizer que é simples, mas de certa forma a justificativa da história acaba funcionando.

Mesmo com tudo isso, a narrativa não chega a seduzir totalmente o público. Há um fator que torna o filme, de maneira geral, cansativo e enfadonho. E este fator está ligado ao ritmo. E diria que não somente a ele, mas também, e principalmente, ao tempo de exibição.

Como se trata de uma representação da vida real, o espectador fica exposto a uma rotina onde praticamente nada acontece: a família toma seu café da manhã, vão dormir, temos acesso aos banhos de piscina e por aí vai.

E mesmo sabendo que tudo isso faz parte da proposta fílmica, a narrativa se torna lenta e, por vezes, entediante. E o tempo de duração de uma proposta como esta se torna extenso demais, visto que os momentos de ação e de impacto são bastante reduzidos, fato este que não é tão comum em filmes deste mesmo gênero e que apresentam a estética tradicional.

De qualquer forma, “Atividade Paranormal 2” é um filme que merece ser conferido e, embora apresente inúmeras semelhanças com seu antecessor, demonstra ser superior a ele. E já há notícias de que uma continuação está sendo produzida. Certamente deverá seguir o mesmo conceito dos anteriores e isso, de alguma maneira, indica que a estética da câmera na mão e da simulação da realidade acabará se tornando um processo banal, corriqueiro e extremamente sem graça.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/atividade-paranormal-2/ficha-tecnica-e-premios/>. Acesso em 11.2010.

Disponível em: < http://pt.wikipedia.org/wiki/Paranormal_Activity_2>. Acesso em 11.2010.

Disponível em: <http://g1.globo.com/pop-arte/noticia/2010/10/atividade-paranormal-2-quer-repetir-sucesso-do-filme-original-na-estreia.html>. Acesso em 11.2010.

Disponível em: <http://www.imdb.com/name/nm0931095/>. Acesso em 11.2010.

Disponível em: <http://entretenimento.r7.com/cinema/noticias/atividade-paranormal-2-ganha-poster-20100917.html>. Acesso em 11.2010.

The Runaways - Garotas do Rock

2010-10-30T21:57:00.000-07:00

Título original – The Runaways

País de origem – Estados Unidos

Diretor – Floria Sigismondi

Gênero – Drama

Duração – 107 minutos

Ano – 2010

Na década de 70, um grupo de cinco garotas decide se reunir para formar uma banda de rock and roll. Como geralmente acontece, o início de carreira das jovens passas por várias dificuldades até alcançar o reconhecimento e a fama.

E é desta forma que o grupo The Runaways surge.

E é em “The Runaways – Garotas do Rock” que a diretora Floria Sigismondi nos apresenta seu primeiro longa metragem.

Esta italiana, que se naturalizou no Canadá, formou-se em fotografia de moda e já foi diretora de inúmeros vídeo clipes. Adotando um estilo diferenciado, suas narrativas musicais apresentam um clima denso e sombrio. Em seu currículo estão artistas como Marilyn Manson, Christina Aguilera e David Bowie.

Pois bem, em sua estréia cinematográfica, Sigismondi conta toda a trajetória e os conflitos vividos pela banda: problemas com empresário, egos, dinheiro, instabilidade emocional. É o sonho de adolescente que se torna real, mas que pouco a pouco se transforma em pesadelo até desmoronar completamente e se transformar em ruínas.

A narrativa é muito bem cuidada, bem construída, impecável. Sigismondi apresenta ao espectador, um apurado trabalho de Direção de Arte, desde os objetos de cena até os figurinos da década de 70. Simplesmente perfeito.

Outro ponto forte desta obra são as atuações. O filme é protagonizado pelas atrizes Kristen Stewart e Dakota Fanning. Elas interpretam, respectivamente, as personagens Joan Jett (guitarrista da banda) e Cherie Currie (vocalista). Cheias de talento, demonstram ser convincentes em seus papéis.

Em uma entrevista, a própria Joan Jett, que também foi produtora executiva do filme, faz o seguinte comentário a respeito da interpretação de Stewart: “Foi surreal ver uma pequena eu correndo de um lado a outro. Foi bizarro. Acho que ela acertou tanto quanto seria possível. Não sei o que mais ela poderia ter feito.”.

A obra de Sigismondi chega a lembrar muito “Velvet Goldmine”, um excelente trabalho dirigido por Todd Haynes. As semelhanças vão desde a temática dos filmes até os cuidados em recriar o clima, a atmosfera e a ambientação de uma determinada época.

“The Runaways – Garotas do Rock” é baseado no livro “Neon Angel: A Memoir of the Runaways” escrito pela vocalista Cherie Currie. O filme teve um orçamento de 10 milhões de dólares e é, sem qualquer sombra de dúvida, uma excelente produção cinematográfica de uma diretora que se mostra eficaz, consistente e promissora. Não deixe de conferir.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/The_Runaways_(filme)>. Acesso em 10.10.

Disponível em: <http://oglobo.globo.com/cultura/mat/2010/03/18/joan-jett-revive-seus-sonhos-em-filme-the-runaways-916104444.asp>. Acesso em 10.10.

Disponível em: <http://tiodorockdownload.blogspot.com/2010/07/runaways-legendado-rmvb-2010.html>. Acesso em 10.10.

Disponível em: <http://www.pixeloide.com.br/2009/03/biopix-floria-sigismondi.html>. Acesso em 10.10.

Nosso Lar

2010-09-28T22:17:00.000-07:00

Título original – Nosso Lar

País de origem – Brasil

Diretor – Wagner de Assis

Gênero – Drama

Duração – 102 minutos

Ano – 2010

Em 1944, através das mãos do médium Chico Xavier, o livro “Nosso Lar” é publicado. Trata-se de um romance espírita que narra a trajetória do médico André Luiz após a sua morte. É uma literatura bastante conhecida, especialmente entre o público espírita, e nela podemos entender toda a estrutura, organização e funcionamento do mundo dos espíritos.

E mais de meio século depois, o cineasta Wagner de Assis decide adaptar a obra espírita para as telas cinematográficas.

Este é o segundo filme sob a direção de Assis, sendo que a sua obra de estréia foi “A Cartomante”, lançada em 2004. Ele também assinou vários roteiros, dentre eles “Xuxa e os Duendes” e “Show de Verão”, que traziam como protagonistas as apresentadoras Xuxa e Angélica, respectivamente. Em “Nosso Lar”, Assis também é responsável pelo roteiro.

E certamente a primeira observação que aqui podemos apontar é a ousadia deste cineasta em dirigir um projeto de uma obra com tamanha notoriedade, afinal de contas, Chico Xavier foi um homem bastante conhecido e sempre muito admirado e respeitado por todos os seus feitos. Além disso, a obra por si só já apresentava inúmeros indícios de que a produção seria de alto custo e, de certa forma, chamaria muito a atenção do público.

E finalmente “Nosso Lar” chega às telas dos cinemas. E já no primeiro final de semana registra um público absurdo: mais de 580 mil pessoas. E assim, a obra de Assis registra a melhor estréia de um filme nacional desde o renascimento do cinema nacional nos anos 90. E o número cresce, pois atualmente já estão contabilizados mais de 3 milhões de espectadores. E isso sem falarmos nos números de bilheteria. O sucesso é absoluto.

E “Nosso Lar” vem para provar que o sucesso nem sempre caminha de mãos dadas com um filme interessante ou com uma boa história. E aqui quando falamos sobre uma boa história, nos referimos a uma boa adaptação, visto que a obra literária é funcional, interessantíssima e faz o leitor ficar impressionado. Já o filme, de forma alguma passa tais sensações. Muito pelo contrário.

A obra cinematográfica é bem produzida, tem uma direção de arte interessante, efeitos consideráveis para um filme nacional, mas também apresenta inúmeros problemas.

A história não impressiona, comove muito pouco, o ritmo é ruim e o filme parece sofrer de um sério problema quanto à direção de atores, pois as falas são muito mecânicas, lentas e cansativas. E a grande impressão que fica é que estamos diante de uma palestra espírita e não de um trabalho cinematográfico que aborda o mundo espiritual.

E isso sem mencionarmos o Umbral, um tipo de purgatório onde as almas vagam em sofrimento. O que temos ali é um lugar escuro e com criaturas estranhas, mas de forma alguma vemos um local, de fato, assustador, conforme a obra literária descreve. Faltou criar um clima, uma atmosfera que pudesse, realmente, representar o ambiente soturno e lúgubre que Chico Xavier detalha.

“Nosso Lar” não possui a mesma força cinematográfica ao lidar com o universo espiritual, conforme vemos em filmes como “Amor Além da Vida” de Vincent Ward e “Um Olhar do Paraíso” de Peter Jackson. O roteiro carece de conflito, embora este esteja presente na história, mas não se mostra intenso ou latente na tela.

É fato também que o trabalho de Assis, independente de sua eficácia, faz o espectador questionar a respeito do universo espiritual, a vida, a morte e suas ações. Isso, de alguma forma, confere crédito à obra.

Linda Seger, em seu livro “A Arte da Adaptação”, ao falar sobre a dificuldade da adaptação do livro para o cinema, nos diz o seguinte: “...todos os grandes livros e a maioria dos que são bons não se limitam a contar uma história, mas também buscam uma idéia.”. E ela complementa: “Os melhores filmes também têm temas fortes, mas no caso dos filmes, o tema serve à história. O tema serve para fortalecer a história, conferir-lhe dimensão, e não para substituí-la.”.

E no caso de “Nosso Lar”, a situação é muito clara: temos tema (e muito), mas não temos uma história contada a ponto de sustentar, prender ou empolgar o espectador. E isso é uma pena enorme, pois a obra de Assis teria tudo para ser uma grande referência do cinema nacional.

BIBLIOGRAFIA:

SEGER, Linda. A Arte da Adaptação. São Paulo:Ed. Bossa Nova. 1ª edição 2007, 288p.

Disponível em: <http://upload.wikimedia.org/wikipedia/pt/4/40/Poste_Nosso_Lar.jpg>. Acesso em 09.2010.

Disponível em: <http://www.nossolarofilme.com.br/>. Acesso em 09.2010.

Disponível em: <http://g1.globo.com/pop-arte/noticia/2010/09/filme-nosso-lar-registra-melhor-bilheteria-na-estreia-desde-os-anos-90.html>. Acesso em 09.2010.

Disponível em: <http://epipoca.uol.com.br/gente_detalhes.php?idg=348185>. Acesso em 09.2010.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Nosso_Lar#Sobre_a_obra>. Acesso em 09.2010.

Cabeça a Prêmio

2010-08-30T20:36:00.000-07:00

Título original – Cabeça a Prêmio
País de origem – Brasil
Diretor – Marco Ricca
Gênero – Drama
Duração – 104 minutos
Ano – 2010

O diretor Marco Ricca é bastante conhecido pelo público brasileiro, não por seu talento na direção, mas sim por suas excelentes atuações em ótimos filmes nacionais. E é justamente em “Cabeça a Prêmio” que ele assume, pela primeira vez, a direção de um longa metragem.

A trama é a seguinte: Uma família de pecuaristas pratica negócios ilícitos na cidade em que vive. Isso os torna poderosos, mas aos poucos o seu poderio vai sendo ameaçado pelas autoridades locais. Além disso há uma disputa entre os dois irmãos da família. Paralelamente a isso, a filha de um dos pecuaristas acaba se envolvendo e se apaixonando por um dos empregados do pai, o piloto Dênis.

Ricca acaba fugindo totalmente às temáticas de conflito urbano e à intensidade e ritmo frenéticos das metrópoles violentas, temas estes já bastante utilizados em vários dos excelentes filmes nacionais. Isso, por si só, já o diferencia de alguma forma. Em “Cabeça a Prêmio” temos um outro tipo de violência e, acima de tudo, vemos um Brasil liderado por gente corrupta, inconsequente e inescrupulosa. Mas não é somente com tal temática que o filme trabalha. Aliado a isso, a narrativa mostra também a situação do conflito amoroso que, na verdade, é explorado através de duas situações distintas: a filha do pecuarista com o empregado do pai e um matador com a dona de um bar local.

Ricca caminha com as duas tramas amorosas de forma paralela e, de alguma forma, ambas acabam tendo uma determinada ligação. São romances complicados, atribulados, cheios de emoções intensas e tumultuadas. E tais romances possuem um fechamento que, de certa forma, são bastante semelhantes.

“Cabeça a Prêmio” tem um andamento lento e o público espera, ansiosamente, pela conclusão da obra, visto que deseja saber como será a finalização não somente da trama, mas também dos personagens.

Apesar de apresentar uma história que não é inteiramente clichê e tratar de um tema bastante presente em nossas terras brasileiras, o filme de estréia de Ricca não consegue, de forma alguma, empolgar. A narrativa não desperta tanto interesse assim, o ritmo é cansativo e um pouco entediante e as atuações, em sua grande maioria, não causam impacto.

Há alguns pontos fortes na obra: a direção de arte se mostra bastante precisa, as atuações de Alice Braga e Via Negromonte são marcantes, os enquadramentos são interessantes.

E o diretor também trabalha com uma linguagem simbólica muito interessante ao mostrar o caos e a decadência da família: a perda do poder está diretamente ligada à desordem familiar e ao desleixo e abandono do pecuarista líder, que é aqui interpretado pelo ator Fúlvio Stefanini. E a cena final da narrativa revela isso através de um belo Plongée que carrega consigo uma intensa dramaticidade.

“Cabeça a Prêmio” é um filme de tensão, mas parece que, de certa forma, tal tensão não engata. Sabemos que ela existe e está lá, mas não chega verdadeiramente a aparecer ou ser sentida.

E isso acaba sendo uma pena, pois o filme não convence, não emociona.

Ainda assim, o diretor Marco Ricca, sinceramente, parece ser um nome a encabeçar a fileira dos grandes e bons diretores do cinema brasileiro contemporâneo.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://cinema.uol.com.br/ultnot/reuters/2010/08/19/marco-ricca-estreia-bem-na-direcao-com-cabeca-a-premio.jhtm>. Acesso em 08.2010.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/cabeca-a-premio/#ficha-tecnica>. Acesso em 08.2010.

Disponível em: <http://refilmagem.com.br/brasilia/filme/cabeca-premio>. Acesso em 08.2010.

Predadores

2010-07-30T20:42:00.000-07:00

Título original – Predators

País de origem – Estados Unidos

Diretor – Nimród Antal

Gênero – Terror / Ação

Duração – 107 minutos

Ano – 2010

Em 1987, sob a direção de John McTiernan, foi lançado o filme “O Predador”. O roteiro ficou sob a responsabilidade da dupla Jim Thomas e John Thomas. Trabalho primoroso, muito bem feito. A história era boa, o filme era intenso e o personagem título era super original: uma criatura selvagem, forte e que podia ficar invisível.

“O Predador” foi um filme de sucesso e de bilheteria rentável.

Posteriormente “O Predador” rendeu uma sequência e, mais tarde ainda, uma nova série surgia: “Alien Vs. Predador” acompanhado depois por “Alien Vs. Predador: Requiem”. Estes dois últimos reuniam dois grandes personagens da ficção científica.

Vinte e três anos após o filme que gerou o personagem título, o diretor Nimród Antal, que também dirigiu os filmes “Temos Vagas” e “Assalto ao Carro Blindado”, lança a obra intitulada “Predadores”.

A história é a seguinte: Um grupo de pessoas é lançado a um planeta desconhecido. Este grupo é composto praticamente por assassinos, pois entre eles há mercenários, condenados e até um membro da Yakuza. Lentamente eles percebem que estão servindo de caça para as misteriosas criaturas que ali habitam.

O filme começa bem. Vemos as pessoas, pouco a pouco, caindo de paraquedas em plena selva. A partir daí o espectador já começa a sentir o clima que o filme promete transmitir. Vagarosamente o grupo vai se unindo e descobrindo os perigos do lugar.

Além dos estranhos predadores, há um grupo de criaturas bizarras semelhantes a lobos ferozes. Eles são, sem sombra de dúvida, um ponto alto na história, em especial por se tratar de uma novidade no universo dos predadores. O que vemos então é uma série de correrias, tiros, armadilhas, sangue, feras raivosas e um suspense que pouco convence. Muito pelo contrário. A história parece que vai perdendo o seu ritmo e a narrativa se torna chata, enfadonha e desprovida de originalidade.

As cenas de ação não empolgam muito, o diretor utiliza alguns recursos manjados para criar um suspense, há alguns fatos sem explicação e o Predador já não causa nenhuma reação que possa criar um impacto suficientemente forte para segurar a narrativa. E à medida que o filme avança, o desinteresse do espectador parece aumentar.

E isso tudo sem contarmos que as criaturas semelhantes aos lobos ferozes e um grupo de predadores simplesmente desparece no decorrer da história, ficando a narrativa centrada somente em dois predadores que lutam entre si.

Obviamente há alguns pontos de destaque para a obra. O filme apresenta algumas tomadas que se utilizam de belos Plongées (posicionamento da câmera de cima para baixo), reforçando assim a opressão que o grupo de pessoas estava vivenciando em plena floresta. É como se, a todo instante, os sobreviventes estivessem sendo observados e a qualquer momento o ataque poderia acontecer. A narrativa também conta com um elenco que nem de longe é excepcional, mas que acaba cumprindo sua função. O destaque fica para Adrien Brody, que faz o papel do protagonista do grupo. Além dele temos a brasileira Alice Braga, que também mostra uma atuação bastante digna.

“Predadores” já rendeu mais de US$ 450 milhões em bilheteria, mas apesar disso podemos dizer que em termos de narrativa, desta vez, Antal não consegue se mostrar como um diretor original e criativo. E muito provavelmente, os grandiosos números de bilheteria se devem aos fiéis fãs da criatura título do que à obra fílmica em si.

E quando o filme chega ao final, o espectador tem a sensação de ter visto uma narrativa que mais parece ter sido pensada para a televisão do que propriamente para o cinema. Isso mesmo, “Predadores” não parece um filme de cinema. E fica até difícil dizer o motivo. Talvez seja o ritmo, talvez seja a estrutura ou até mesmo as atuações. O fato é que, ao deixarmos a sala de exibição, a impressão é de que estamos desligando a televisão da sala. E pior do que desligar a Tv é sentir que o filme ficou muito, mas muito mesmo, a desejar.

BILIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.cinepop.com.br/filmes/predadores.php>. Acesso em 07.2010.

Disponível em: ttp://epipoca.uol.com.br/gente_detalhes.php?idg=234350>. Acesso em 07.2010.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/O_Predador>. Acesso em 07.2010.

A Volta do Todo Poderoso

2010-06-30T17:34:00.000-07:00

Título original – Evan Almighty
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Tom Shadyac
Gênero – Comédia
Duração – 95 minutos
Ano – 2007

“A Volta do Todo Poderoso” trata-se, como o próprio nome diz, de uma continuação do filme “Todo Poderoso”. Desta vez, ao invés de termos o astro Jim Carrey como protagonista, o papel principal é representado por Steve Carell, que também participou do primeiro filme. Carell faz o papel de Evan e vive com a esposa e os filhos. Sua vida é normal até que ele recebe a visita do próprio Deus, e este lhe passa uma missão: construir uma arca. Isso faz com que Evan se torne uma espécie de Noé do mundo moderno. A partir disso o espectador irá se deparar com uma série de confusões e situações inusitadas, além da expectativa de saber se o nosso protagonista conseguirá ou não realizar sua tarefa.

O filme na verdade é uma comédia extremamente leve, e como tal gênero não demonstra ser tão eficiente assim. O personagem de Carell é interessante, porém se apresenta um pouco desastrado, caricaturado e em alguns momentos exagerado com suas caras, bocas e gestos. Somam-se a isso algumas piadinhas que muitas vezes não são tão bem sucedidas.

Ainda assim, existem inúmeros pontos que merecem ser evidenciados: Os animais que desfilam no filme são uma atração à parte; os efeitos utilizados são muito bons (com destaque para a arca que é impressionante); há uma personagem (Rita) interpretada por Wanda Sykes, que é divertida, engraçada e até mesmo carismática, embora soe exagerada e um pouco caricaturada; a trilha sonora é interessante e composta por nomes como Creedence Clearwater Revival e ZZ Top.

Afora os comentários mencionados, o filme nos mostra, muito mais do que a situação cômica a que pretende ser, uma história de reflexão e conscientização dos valores. Será que num mundo altamente moderno, consumista e globalizado, há ainda espaço para as relações humanas e sentimentais? Qual o limite para que o ser humano viole à natureza (e deixe assim de se preocupar com os outros e até consigo mesmo) a fim de obter lucros e prestígios cada vez mais exorbitantes? É exatamente neste ponto que Evan parece ser atingido, visto que ele é também alguém em busca de uma ascensão e parece deixar alguns valores simples, porém importantes, um pouco de lado. E nesta temática podemos afimar que o filme, embora trabalhando com uma mensagem super clichê, consegue mandar bem o recado.
O espectador deve também se atentar após o final do filme, pois é possível assistirmos trechos divertidos do making of.

O diretor da obra é Tom Shadyac, que também dirigiu o primeiro filme. Além destes, ele é responsável por obras bastante conhecidas como “O Mistério da Libélula” e “Ace Ventura – Um Detetive Diferente”.

“A Volta do Todo Poderoso” não chega a ser um filme ruim, mas está bem distante de ser uma comédia genial. É, na verdade, apenas uma narrativa que propicia um entretenimento leve, simples e sem grandes pretensões.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: http://www.adorocinema.com/filmes/volta-do-todo-poderoso. Acesso em 05.2010.

Disponível em: http://www.adorocinema.com/diretores/tom-shadyac. Acesso em 05.2010.

Disponível em: http://anystuff.files.wordpress.com/2007/08/todo-poderoso-2-poster.jpg. Acesso em 05.2010.

Homem de Ferro 2

2010-05-30T21:02:00.000-07:00

Título original – Iron Man 2
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Jon Favreau
Gênero – Aventura
Duração – 124 minutos
Ano – 2010

O projeto de filmar "Homem de Ferro" já era bastante antigo. Em 1990 a Universal Studios adquiriu os direitos para tornar possível a adaptação do personagem. De lá para cá muita coisa aconteceu e o filme foi, de fato, lançado somente em 2008.
A direção foi de Jon Favreau, o mesmo diretor de "Zathura – Uma Aventura Espacial". E "Homem de Ferro" foi um filme bastante aguardado, em especial pelos fãs de Super-Heróis. E mais do que aguardado foi um filme que fez bonito: visual bem elaborado, história interessante, efeitos visuais muito bons. Favreau soube conduzir a obra com muita dignidade.

Não muito tempo depois uma sequência da obra é lançada. E mais uma vez os cinéfilos e, especialmente, os fãs dos filmes de heróis estavam no aguardo. Todos ansiavam por uma narrativa que, se não fosse superior, teria ao menos a mesma qualidade do primeiro filme.
Novamente a obra é conduzida pelas mãos de Favreau. Isso também já era motivo suficiente para garantir uma continuação digna e respeitosa.

E desta forma a nova aventura do Homem de Ferro surge de maneira grandiosa: efeitos visuais, nova armadura circulando na narrativa, novos inimigos e aliados.
A história é a seguinte: Tony Stark, o próprio Homem de Ferro, sofre pressões do governo para compartilhar sua descoberta e tecnologia com as forças armadas. Como se isso não bastasse, ele ainda deverá enfrentar um novo inimigo, o Chicote Negro. Este, por sua vez, se alia a Justin Hammer, que é um empresário concorrente de Stark. A partir daí começa a trama.

Há correria, luta e perseguição. E a narrativa é praticamente só isso. O roteiro é fraco e, consequentemente, a história parece não avançar; os personagens não são interessantes, a julgar pelo protagonista que soa caricato demais, cheio de ironia e sarcasmo em doses exageradas; há também um excesso de piadinhas desproporcionais e, em geral, desnecessárias; os diálogos são excessivos e grandes, entediando assim não só o filme, mas principalmente o espectador; os planos são longos, atípicos para uma narrativa deste gênero. O curioso é que mesmo nas cenas de ação, tão aguardadas pelo público que procura este tipo de obra, não há qualquer tipo de entusiasmo, pois de alguma forma elas parecem não surpreender e nem empolgar.

Um outro detalhe importante é a demora para que as cenas de ação aconteçam. Geralmente neste tipo de narrativa, a ação acaba sendo bastante intensa e ocupa boa parte da história. Aqui não é exatamente desta forma que ocorre. Tais cenas demoram a acontecer e tudo fica muito preso e concentrado nos diálogos, chegando a lembrar as estruturas da teledramaturgia.
Nem mesmo os atores parecem conseguir chamar muito a atenção: as atuações são cumpridas sem que haja qualquer tipo de destaque por parte do elenco.

Analisando de forma mais profunda este filme, conseguimos perceber que o grande problema que ele tem, muito mais do que um roteiro que não surpreende, é a falta de ritmo.
No livro "Estética do Cinema" de Gérard Betton encontramos a seguinte definição a respeito da montagem rítmica: "Planos cada vez mais curtos traduzem, em príncipio, um aumento da intensidade dramática em direção ao nó ou à reviravolta da ação. Os planos cada vez mais longos provocam normalmente a impressão inversa: volta à calma, relaxamento progressivo, abrandamento da angústia, etc. Finalmente, uma sequência de planos breves e longos numa ordem qualquer provoca um ritmo sem tonalidade dramática ou psicológica especial. É alternando as durações e variando com frequência a extensão dos planos que o filme adquire diversidade e vida."
Pois bem, em "Homem de Ferro 2", ao contrário do que vimos no primeiro filme, não há essa diversidade e vida na estrutura narrativa. E isso acontece em função dos vários motivos já citados em nossa análise.

Certamente o único ponto que nos chama a atenção na obra é a trilha sonora. Composta por vários artistas, o grande destaque é para a banda australiana de Heavy Metal AC/DC, responsáveis pela abertura do filme com a ótima "Shoot to Thrill" e pelo encerramento com a clássica "Highway to Hell".

E agora, para os fãs do cinema, resta aguardar notícias sobre uma nova continuação do Homem de Ferro. E se isso for confirmado, deveremos apenas torcer para nos depararmos com uma história mais interessante e que consiga seguir os passos do sucesso do filme que deu origem à obra.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: http://cinepop.com.br/filmes/homemdeferro2.htm. Acesso em 05.2010.

Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/Iron_Man_filme. Acesso em 05.2010.

Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/Jon_Favreau. Acesso em 05.2010.

BETTON, Gérard. Estética do Cinema. São Paulo: Ed. Martins Fontes. 1ª edição 1987, 122 p.

Como Treinar o seu Dragão

2010-04-28T20:21:00.000-07:00

Título original – How to Train Your Dragon
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Dean DeBlois / Chris Sanders
Gênero – Animação
Duração – 98 minutos
Ano – 2010

"Como Treinar o seu Dragão" se trata de mais uma obra cinematográfica oriunda da literatura infanto-juvenil. Na realidade, o título se refere a uma série composta por 8 livros que foi lançada nos Estados Unidos a partir de 2003. No Brasil, a aventura literária começou a partir de 2006.
Cressida Cowel, a escritora, criou um universo extremamente interessante. Baseando-se no mundo viking povoado por diferentes espécies de dragões, a autora conta a história de um menino que está sendo criado para ser um caçador destes seres alados, mas o problema é que ele não leva o menor jeito para tal atividade. Ao tentar realizar a complicada tarefa, o protagonista da história acaba se tornando amigo de um dragão, justamente aquele que era o mais temido por seu povo.

Em 2009, a DreamWorks anuncia que o livro sofreria adaptação para o cinema. E o que o espectador pode comprovar na tela grande é um resultado altamente satisfatório: uma história simples, porém bem feita e com bastante sensibilidade.
Dean DeBlois e Chris Sanders, os diretores, são dois grandes nomes. Ambos dirigiram e roteirizaram o desenho "Lilo & Stitch". Além deste, participaram de outras produções interessantes. DeBlois fez parte da animação de "Atlantis – O Reino Perdido" e Sanders participou da arte de "A Bela e a Fera" e "Bernardo e Bianca na Terra dos Cangurus". Pois bem, pelo currículo de ambos já podemos imaginar o que poderemos contemplar nesta obra.

O visual é, além de bonito, atrativo. Encontramos cenários belos; o povo viking é bastante interessante e utilizam vestimentas com detalhes rigorosos; encontramos dragões de espécies diferenciadas, cada qual com suas devidas características. Enfim, o espectador irá se deparar com um trabalho de arte minucioso, muito bem executado e, acima de tudo, muito bem pensado.

Soluço, o herói da aventura, é franzino, atrapalhado e desengonçado, mas não há como não nos identificarmos com a personagem. Sem dúvida alguma ele possui carisma e ganha a simpatia do público.
Banguela, o dragão de Soluço, não é o dragão mais interessante que o filme possui, mas acaba também sensibilizando o espectador, até mesmo em função da relação que vai sendo construída entre ele e o garoto. E se observarmos com atenção, encontraremos uma semelhança com Banguela e o personagem Stitch da obra "Lilo & Stitch". Não se trata de uma coincidência. Ambos foram desenvolvidos por Sanders.

E é fato que, nos dias de hoje, as grandes produções americanas de animação nunca ficam a desejar quando analisamos os aspectos de Direção de Arte e de Efeitos Especiais. Sempre impecáveis. Já no aspecto de estrutura narrativa, isso nem sempre é uma verdade. Há filmes que primam excessivamente pelos aspectos técnicos, mas deixam a história num plano superficial. Quando isso acontece podemos dizer que a obra fílmica não é, de fato, eficiente. E isso acaba não servindo como exemplo para "Como Treinar o seu Dragão".
O roteiro é extremamente clássico e até clichê, mas isso resulta em uma história eficiente e muito bem costurada. A exemplo do que vimos no recente "Percy Jackson e o Ladrão de Raios", em que se abordava uma mitologia não tão comentada entre nós, aqui encontramos também um universo pouco difundido ou propagado: a cultura viking.
E, obviamente, ela aqui funciona apenas como um pano de fundo, pois a essência da história é uma temática bastante contemporânea. A narrativa trata, simplesmente, das diferenças e das relações humanas de uma forma geral.
A Jornada do Herói aparece do início ao fim do filme: temos o protagonista vivendo em seu mundo sem graça, o chamado para sua aventura, a recusa deste chamado, os testes, os aliados, os inimigos, a recompensa do herói, a ressureição e o retorno com o elixir obtido no mundo da aventura.
E por mais previsibilidade que este tipo de história apresente, ainda assim o público se empolga. E mais do que isso, se emociona.

Há também uma grata surpresa ao final do filme. De forma inteligente, os diretores conseguem criar uma situação que irá intensificar a aproximação do protagonista com o dragão, fazendo com que a conclusão da narrativa se torne brilhante e diferente do que usualmente vemos.

"Como Treinar o seu Dragão" mostra que veio não somente para gerar o que chamamos de "Cauda Longa" (oportunidade para estender o filme além da obra fílmica em si, ou seja, gerar outros produtos que possam ser comercializados em função da narrativa), mas sim para proporcionar um belo e estimulante espetáculo cinematográfico.

BILIOGRAFIA:

Disponível em: http://epipoca.uol.com.br/gente_detalhes.php?idg42982. Acesso em 04.2010.

Disponível em: http://www.cinepop.com.br/filmes/howtotrainyourdragon.htm. Acesso em 04.2010.

Disponível em: http://www.cinepop.com.br/criticas/comotreinarseudragao_102.htm. Acesso em 04.2010.

Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/How_To_Train_Your_Dragon. Acesso em 04.2010.

Disponível em: http://epipoca.uol.com.br/gente_detalhes.php?idg=90529. Acesso em 04.2010.

Disponível em: http://epipoca.uol.com.br/filmes_detalhes.php?idf=19524. Acesso em 04.2010.

VOGLER, Christopher. A Jornada do Escritor. Rio de Janeiro: Nova Fronteira. 2ª edição 2006, 446 p.

Percy Jackson e o Ladrão de Raios

2010-03-23T20:23:00.000-07:00

Título original – Percy Jackson & the Lightning Thief
País de origem – Estados Unidos / Canadá
Diretor – Chris Columbus
Gênero – Aventura
Duração – 120 minutos
Ano – 2010

Percy Jackson é um personagem da literatura juvenil criado por Rick Riordan. O primeiro livro, intitulado "O Ladrão de Raios", foi publicado em 2005 nos Estados Unidos e lançado no Brasil em 2008. A saga continua ainda com os livros "O Mar de Monstros", "A Maldição do Titã", "A Batalha do Labirinto" e "O Último Olimpiano", sendo que este último ainda não foi lançado no nosso país.

A história é a seguinte: O jovem descobre ser filho de uma mortal com um Deus do Olimpo. Seu pai é Poseidon, o deus dos mares. Os problemas na vida de Percy aumentam quando um raio é roubado e Zeus, o rei dos deuses, o culpa por isso. A missão do rapaz agora é provar sua inocência e resgatar sua mãe que foi raptada por um minotauro e levada para as profundezas do inferno.

A direção está sob o comando de Chris Columbus, que também dirigiu os dois primeiros filmes de Harry Potter. E como era de se esperar, esta aventura segue uma linha próxima ao que já vimos com Potter, mas apresenta características peculiares, uma vez que o universo de Percy Jackson está vinculado aos seres da mitologia grega. Ao invés de varinhas, vassouras e corujas, encontramos aqui os deuses do Olimpo e criaturas como Sátiros e Centauros. E a proximidade que mencionamos está bastante ligada à estrutura narrativa como um todo: protagonista com diversos desafios, inimigos a enfrentar, aliados, entendimento da própria existência, um mundo de aventuras repleto de efeitos visuais e com muita ação. Uma fórmula básica, clichê, mas que inegavelmente funciona. E muito bem.

"Percy Jackson e o Ladrão de Raios" é um entretenimento garantido. Não irá te deixar impressionado e nem tampouco encontraremos cenas com fotografia deslumbrante, mas há vários pontos interessantes na obra. Os efeitos especiais são muito bons, a aventura é intensa, a Direção de Arte é bem caprichada, os cenários são bonitos. E o fato de usarem a questão da mitologia grega já traz também uma certa originalidade à narrativa, afinal de contas não é tão comum vermos filmes para adolescentes que se apropriam de tal tema.

Contamos ainda com presença de atores mais consagrados como Uma Thurman e Pierce Brosnan, que representam, respectivamente, os personagens da Medusa e do Centauro. E provavelmente uma das cenas mais interessantes se encontra mesmo com a aparição da Medusa. Chama-nos a atenção ver aquela bela mulher com os cabelos de cobra perseguindo Percy e seus amigos com o intuito de transformá-los em estátuas de pedra.

O roteiro é bastante clássico e vemos claramente os passos que compõem a Jornada do Herói descrita por Christopher Vogler: Percy Jackson sai do seu cotidiano sem graça; descobre que é filho de um Deus com uma mortal; precisa se defender da acusação de Zeus; precisa resgatar sua mãe; faz aliados; enfrenta os inimigos; conhece seus poderes; se torna mais forte; tenta cumprir sua missão. Por vezes chega até a ser prevísivel e superficial, mas não é entediante. Muito pelo contrário. O espectador fica na torcida para que o próximo obstáculo surja e mais um efeito se coloque diante de seus olhos. E já que estamos falando de uma narrativa que visa atingir principalmente o público juvenil, Columbus consegue, com bastante êxito, cumprir a missão. E agora, para os fã de carteirinha, resta apenas aguardar a continuação, torcendo para que ela seja igual ou, de preferência, mais intensa do que esta.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: http://www.cinepop.com.br/filmes/percyjacksonolimpianosladraoderaios.php. Acesso em 03.2010.

Disponível em: http://www.interfilmes.com/filme_21854_Percy.Jackson.e.o.Ladrao.de.Raios-(Percy.Jackson.the.Olympians.The.Lightning.Thief).html. Acesso em 03.2010.

Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/Percy_Jackson_e_os_Olimpianos#S.C3A9rie. Acesso em 03.2010.

Disponível em: http://cinemaeafins.com/files/2009/12/percy-jackson-poster-2.jpg . Acesso em 03.2010.

VOGLER, Christopher. A Jornada do Escritor. Rio de Janeiro: Nova Fronteira. 2ª edição 2006, 446 p.

Os Inquilinos

2010-02-11T12:40:00.000-08:00

Título original – Os Inquilinos
País de origem – Brasil
Diretor – Sérgio Bianchi
Gênero – Drama
Duração – 103 minutos
Ano – 2009

Valter e Iara vivem com um casal de filhos em um bairro da periferia de São Paulo. Levam uma vida simples, humilde e praticamente sem graça. Ela é uma dona de casa. Ele tem um trabalho duro durante o dia e à noite estuda, almejando assim uma vida melhor. Tudo parecer caminhar normalmente, mas a rotina se transforma até o dia em que os novos vizinhos se mudam. Eles são mal encarados, barulhentos, encrenqueiros. A partir daí o casal começa a viver uma tensão constante.

Adaptado de um conto de Vagner Geovani Ferrer, este é o 6º e mais recente filme de Sérgio Bianchi que, dentre outras obras, é também autor de "Cronicamente Inviável" e "Quanto vale ou é por quilo?". O diretor aposta em um cinema que lida com um universo realista, trabalhando com elementos do cotidiano e que, consequentemente, evidenciam uma sociedade repleta de mazelas. E em "Os Inquilinos" isso acontece praticamente durante toda a narrativa.

E poderíamos até dizer que estamos diante de mais uma história do Cinema Nacional que enfatiza a violência, a pobreza, as drogas e o submundo de uma forma geral, mas Bianchi consegue ir mais adiante em sua proposta. Esses elementos estão sim presentes, mas a narrativa apresenta uma atmosfera que cria um suspense. Suspense este que vai se intensificando ao longo dos 103 minutos de exibição. E o medo e a perturbação pela qual passam os personagens da narrativa são transportados para o espectador. Há tensão, densidade e agonia. Agonia por não sabermos o que, de fato, iremos enfrentar. Agonia por não sabermos como será, na realidade, o desfecho da história. Com olhar atento e perspicaz, o diretor parece não deixar que nada passe em branco nesta obra. Encontramos a temática sexual, através da dança e da música, contribuindo assim para a perda da inocência; nos deparamos com um chefe que pouco se importa com seus subordinados, pois se preocupa apenas com a obtenção do lucro; identificamos o desrespeito e a total falta de amor ao outro; lidamos com um medo que nos faz calar e, desta forma, aceitar aquilo que nos é imposto, nos tornando assim omissos e sem qualquer senso de justiça; vemos o homem que se desumaniza, se bestifica e vai assim, pouco a pouco, perdendo sua referência. Bianchi mostra uma sociedade mergulhada no caos. Um caos profundo, absoluto e que parece não ter mais saída e nem solução.

E "Os Inquilinos" não apresenta somente um roteiro empolgante e bem construído. Há uma ótima direção de atores também. Marat Descartes interpreta Valter, um homem pacato, sem muita iniciativa e que se preocupa com sua família; Ana Carbatti é Iara, uma dona de casa solitária cujo único prazer parece ser o cigarro. E além deste núcleo central contamos também com as participações, em geral rápidas, de ótimos nomes como Caio Blat, Ailton Graça e Cássia Kiss, que inclusive recebeu prêmio de melhor Atriz Coadjuvante no Festival do Rio 2009.

A Direção de Arte também acaba chamando a atenção. Sob a responsabilidade de Bia Pessoa, vemos cenários rudimentares e que, obviamente, atendem a proposta da narrativa e contribuem para valorizar a estética do filme. Junto a isso somam-se os objetos de cena e figurinos. Todo este conjunto acentua a atmosfera densa e incômoda que o filme transmite.

E além do prêmio de melhor Atriz Coadjuvante, esta obra já conquistou prêmio de melhor Roteiro no Festival do Rio e no V FestCine Goiânia, ambos em 2009. Neste último festival recebeu também prêmios de melhor Filme e Direção.

Muito distante do entretenimento, esta obra aponta o problema, incomoda, cria impacto, perturba e cutuca a ferida sem dó ou piedade. E com isso Bianchi se mostra não somente um ótimo cineasta com um excelente trabalho, mas também um grande crítico e observador do nosso contexto social. E o mais interessante de tudo é que, de certa forma, o filme não acaba quando os créditos são finalizados. Bem distante da sala de cinema o espectador ainda irá refletir e, de alguma forma, tentar encontrar uma saída para uma sociedade que, a cada dia, parece naufragar ainda mais.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.bcultural.com.br/release_osinquilinos/

>. Acesso em 02.2010.

Resultado - O Homem que Engarrafava Nuvens

2010-02-10T12:19:00.000-08:00

Pessoal,

Obrigado pela participação de todos.

A contemplada pelo sorteio foi Lísia Lemes.

Estaremos entrando em contato com ela via e-mail para confirmação de endereço e posterior envio do Kit.

Parabéns Lísia e bom filme.

Promoção - O Homem que Engarrafava Nuvens

2010-02-05T16:46:00.000-08:00

Assista ao vídeo e responda a seguinte pergunta:

Luiz Gonzaga é considerado o rei do baião. Veja o vídeo e descubra quem é o doutor do baião.

Os participantes concorrerão a um Kit contendo:
01 Memo board;
01 Par de ingressos.

Serão consideradas as respostas corretas postadas neste blog até o dia 09/02/2010. Deixem seus respectivos e-mails para contato.
Confira o resultado do ganhador no dia 10/02/2010.

Procurando Elly

2010-01-26T14:54:00.000-08:00

Título original – Darbareye Elly
País de origem – Irã
Diretor – Ashgar Farhadi
Gênero – Drama
Duração – 119 minutos
Ano – 2009

Quando se fala em cinema iraniano, automaticamente o espectador espera encontrar uma narrativa sem tantas reviravoltas que, em geral, irá abordar o cotidiano de um ou mais personagens. Normalmente são obras que evidenciam o lado singelo da vida, a ação não é tão valorizada quanto a emoção e, desta forma, costumam apresentar uma abordagem mais poética. Obviamente irão reproduzir a cultura e os hábitos do povo, sobretudo os habitantes do campo, apresentando comumente um Irã conservador e tradicional. E é exatamente por estes aspectos que este tipo de obra acaba, nem sempre, agradando o grande público. Tem-se a impressão que nada acontece. E na realidade isso não é verdade. Tais narrativas costumam ser essencialmente profundas nas mensagens que passam; trabalham com temáticas aparentemente triviais, porém ressaltam o valor que elas, de fato, possuem. E isso, de certa maneira, faz com que o cinema iraniano seja simples na temática, mas consistente na abordagem.

No caso de "Procurando Elly", a regra não segue exatamente todos estes preceitos. Temos uma narrativa intensa, a obra apresenta um drama com toques de suspense, há pontos de virada bastante perceptíveis, o Irã tradicional parece ceder lugar ao contemporâneo.

A história é a seguinte: Um grupo de jovens resolve passar alguns dias em uma casa de praia. A organizadora do evento decide, sem consultar ninguém, levar uma amiga com o objetivo de apresentá-la a um dos rapazes. O problema começa quando essa amiga simplesmente desaparece. A partir daí as pessoas começam a desconfiar umas das outras e, rapidamente, o clima da narrativa vai se transformando. O que deveria ser um final de semana agradável se torna um pesadelo.

Essa temática parece ser muito simples, mas o diretor consegue, de forma magistral, criar muita densidade na narrativa. É a partir do sumiço de Elly que o conflito dos integrantes da casa vem à tona. As pessoas se voltam umas contra as outras, verdades são ditas e o espectador contempla a instabilidade e fraqueza do ser humano diante daquilo que este não consegue solucionar. E o interessante é que ao longo da narrativa, tanto os personagens quanto o público vão descobrindo quem, de fato, é Elly.
Além disso, o diretor cria uma outra façanha nesta obra. Elly desaparece. Isso é um fato. E a partir desta realidade fica o seguinte questionamento: Estará ela viva ou morta?

Ashgar Farhadi é um iraniano formado em cinema e já dirigiu alguns filmes, dentres eles "Linda Cidade", que foi exibido na 28ª Mostra de Cinema. Com "Procurando Elly" ganhou Urso de Prata de melhor direção no Festival de Berlim de 2009.

E nesta obra fílmica, o espectador não precisa esperar aspectos técnicos que se destaquem: não há ângulos de câmera ousados, não há uma fotografia que chame a atenção, não existem efeitos especiais. O que segura o espectador na cadeira dos cinemas e o que chama a atenção é a condução da narrativa. Um outro ponto de destaque é também a interpretação dos atores: digna, competente e convincente.

O filme de Farhadi também causou certa polêmica em seu país, pois uma de suas protagonistas, a atriz Golshifteh Farahani, foi banida do Irã por ter participado de um filme de Ridley Scott. O resultado disso é que "Procurando Elly" chegou até a ser proibido em seu próprio país.

E esta excelente narrativa iraniana tem um desfecho fantástico. O diretor nos traz uma ótima metáfora do estado interno do ser humano diante da adversidade e do caos. E quando as luzes do cinema se acendem, duas reflexões nos rondam com insistência: a questão da fragilidade humana e a certeza de que Farhadi é um dos grandes nomes do cinema.

BILIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://cinema.cineclick.uol.com.br/filmes/ficha/nomefilme/procurando-elly/id/16508>. Acesso em 01.2010.

Disponível em: <

http://www.omelete.com.br/cine/100024294/Critica__Procurando_Elly.aspx>. Acesso em 01.2010.

Disponível em: <

http://www.estadao.com.br/arteelazer/not_art488813,0.htm>. Acesso em 01.2010.

Disponível em: <

http://www.mostra.org/exib_diretor.php?filme=75&language=pt>. Acesso em 01.2010.

Disponível em: <http://www.movieposterdb.com/posters/09_06/2009/1360860/l_1360860_86a5731c.jpg>. Acesso em 01.2010.

Do Começo ao Fim

2009-12-30T10:13:00.000-08:00

Título original – Do começo ao fim
País de origem – Brasil
Diretor – Aluisio Abranches
Gênero – Drama
Duração – 90 minutos
Ano – 2009

Thomás e Francisco são irmãos por parte de mãe. Vivem em uma casa bonita e confortável e são muito apegados um ao outro. Com o passar do tempo, a relação dos irmãos vai se tornando cada vez mais íntima. Na fase adulta se tornam amantes.

Esta é a temática, extremamente polêmica por sinal, do novo filme de Aluisio Abranches, que é também responsável pelas obras "Um Copo de Cólera" e "As três Marias". O diretor alega que passou por diversos obstáculos para conseguir manter sua idéia, visto que alguns empresários chegaram a sugerir mudanças na temática, mas por fim ele conseguiu um patrocínio da produtora de Marco Nanini, e desta forma a idéia original permaneceu intacta.

O filme mostra a infância dos meninos e na sequência aborda a fase adulta, onde então o público começa a contemplar o romance dos irmãos. E se trata, realmente, de uma contemplação, visto que a fotografia é extremamente bem cuidada. Tudo é muito claro, limpo, suave, criando assim um clima e uma atmosfera harmoniosos. Desta forma, as cenas de carícias não são motivo de escândalo. Muitíssimo pelo contrário. São cenas belas, românticas.

E o próprio Abranches afirma que não tem a pretensão de levantar bandeiras. Segundo ele, o objetivo desta narrativa é apenas mostrar uma história de amor, independente da forma e das condições em que ocorra. E olhando através deste prisma, o diretor consegue cumprir bem sua missão. O problema é que, este assunto por si só, não é sustentável. Afinal de contas, nenhum espectador deseja ficar sentado, nas poltronas do cinema, vendo apenas cenas de carícia ou juras de amor sem que algum tipo de carga dramática seja explorada.

O roteiro caminha linearmente e os pontos de virada não conseguem, de forma alguma, empolgar. Os eventos vão, simplesmente, acontecendo. Não há conflitos, não há ações, não há reações e, praticamente, não há qualquer tipo de questionamento ou até mesmo estranhamento diante das circunstâncias.

Diferentemente de "Um Copo de Cólera", em que o diretor trabalha com um texto intenso e atuações sólidas, "Do Começo ao Fim" apresenta diálogos que soam superficiais e, de forma geral, não há dramaticidade. E isso sem dúvida alguma traz uma profunda decepção para quem, após 90 minutos de narrativa, deixa as salas de cinema com a sensação de que praticamente nada aconteceu. E sendo assim, a polêmica que a temática se propõe a trabalhar não passa de pura promessa. E mais do que isso, fica o questionamento: Qual o motivo de se usar temas tão tabus se não há qualquer tipo de reflexão a respeito?

No livro "Da Criação ao Roteiro", Doc Comparato faz o seguinte comentário: "Conflito designa a confrontação entre forças e personagens através da qual a ação se organiza e se vai desenvolvendo até o final. É o cerne, a essência do drama...Sem conflito, sem ação, não existe drama". E o autor também afirma: "...há momentos em que a tensão dramática decai e o público começa a se aborrecer". E para finalizar a questão, ele declara: "...a estrutura equivale a ação dramática; sua função é apresentar o drama, despertar o interesse, manter esse interesse e aumentá-lo".

E este é o grande problema da obra de Abranches: Falta desenvolver uma ação dramática, explorar o conflito e, desta forma, gerar interesse para quem contempla a narrativa. Sem isso, por melhor que seja a fotografia ou qualquer outro elemento fílmico, a obra não consegue convencer, não se torna atraente e, fatalmente, faz o público se sentir entediado.

Até mesmo a Tag Line do filme (uma espécie de frase de efeito visando despertar o interesse do público e prepará-lo para o que irá assistir) não consegue cumprir a missão. Ela diz o seguinte: "Para entender esse amor é preciso virar o mundo pelo avesso". Nada do que se vê na narrativa, infelizmente, passa por uma situação de reviravolta, de entendimento, de discussão, de controvérsia, de polêmica, mas sim de aceitação. Em nenhum momento, nem de longe, o mundo é virado pelo avesso diante dos fatos. Os irmãos vivem como amantes. Ponto final. E com isso não temos drama. Prevalece somente o romance.

E até mesmo quando nos parece surgir a possibilidade de um bom ponto de virada na história, algo que possa mudar a rotina dos irmãos apaixonados e, desta forma, trazer uma novidade à narrativa e ao espectador, nos deparamos novamente com resoluções triviais e desprovidas de qualquer tipo de emoção, criando assim, mais uma vez, uma frustração para o público.

"Do Começo ao Fim" caminha na contramão de excelentes obras como "O Segredo de Brokeback Mountain" de Ang Lee e de "Delicada Relação" de Eytan Fox, que narram os complicados romances de cowboys e militares respectivamente. Em ambos os filmes citados, muito além do simples romance proibido, são evidenciadas as cargas dramáticas tanto dos protagonistas quanto daqueles que os cercam. E é exatamente isso que torna, de fato, tais obras tão grandiosas.

E Abranches usa aqui um tema forte, polêmico e, acima de tudo, extremamente ousado, mas que infelizmente acaba não convencendo em termos de estrutura narrativa. Faz-se muito barulho para praticamente nada. E isso é uma pena. Com esta temática, "Do Começo ao Fim" teria tudo para se diferenciar dos filmes nacionais e, sem dúvida alguma, poderia conquistar um grande e merecido espaço junto às excelentes obras que representam nossa nação.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Do_Come%C3%A7o_ao_Fim>. Acesso em 12.2009.

Disponível em: <http://www.interney.net/blogs/filmesdochico/2009/11/26/do_comeco_ao_fim/ >. Acesso em 12.2009.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Aluisio_Abranches>. Acesso em 12.2009.

Disponível em: <http://babadocerto.files.wordpress.com/2009/12/do-comeco-ao-fim.jpg>. Acesso em 12.2009.

COMPARATO, Doc. Da Criação ao Roteiro. Rio de Janeiro: Rocco. 5ª edição 2000, 488 p.

Distrito 9

2009-11-28T16:54:00.000-08:00

Título original – District 9
País de origem – Nova Zelândia / África do Sul
Diretor – Neill Blomkamp
Gênero – Ficção Científica
Duração – 112 minutos
Ano – 2009

Ao vermos o cartaz do filme “Distrito 9”, automaticamente criamos uma expectativa de nos depararmos com uma obra que segue a linha de filmes como “Independence Day” de Roland Emmerich ou “A Guerra dos Mundos” de Steven Spielberg, ou seja, esperamos contemplar uma série de ataques de seres alienígenas poderosos e dotados de grande tecnologia, cujo objetivo maior, senão único, é a conquista da terra e dos seres que nela habitam. Pois bem, quem adentra a sala com tal ilusão sai da sessão de cinema, no mínimo, decepcionado.

“Distrito 9” é, na realidade, um filme que aborda uma temática justamente contrária a essa ideologia da força e do avanço tecnológico vindos do espaço. Aqui a situação é bem distinta. Os seres do espaço embarcam na Terra como refugiados e se apresentam subnutridos, cansados, doentes, derrotados. Diferentemente das inúmeras obras que abordam a temática, os alienígenas desta narrativa se instalam no continente Africano, mais especificamente em Johannesburgo, deixando de lado a evidência que sempre é dada para os Estados Unidos. Ficam em uma área chamada Distrito 9 e são controlados por uma empresa chamada MNU, cujo objetivo é conquistar lucros com a fabricação de armas que irão utilizar as defesas naturais dos extraterrestres. A confusão maior, na verdade, começa quando um dos responsáveis da MNU se infecta e, desta forma, se torna um fugitivo e passa a viver com os habitantes alienígenas.

Blomkamp faz aqui sua estréia cinematográfica e, de maneira geral, podemos dizer que consegue êxito com sua obra. “Distrito 9” é uma ficção científica que simula um documentário, seguindo um modelo semelhante a filmes como “Cloverfield – Monstro” de Matt Reeves. Temos o uso da câmera na mão, imagens nem sempre tão nítidas, depoimentos da população, trechos de noticiários, a fotografia não é cuidadosamente elaborada. Tudo isso traz, de certa forma, uma identidade para a narrativa, diferenciando-a dos filmes deste gênero e chamando a atenção do espectador. Há até mesmo algumas entrevistas que são reais. O diretor entrevistou sul-africanos pobres de Soweto e estes emitiram suas opiniões contra os zimbabuanos em função da imigração ocorrida em massa para a África do Sul, povoando assim, as favelas do país vizinho. E o próprio diretor, em entrevista para a Folha de São Paulo, diz: “São negros pobres atacando negros pobres.”

Um dos destaques da narrativa é também a participação do ator Sharlo Copley, interpretando Wikus Van De Merwe, o protagonista da história. Copley é amigo de infância do diretor e faz uma atuação digna, honesta e apresenta um personagem que é, no mínimo, interessante. E o espectador irá, em diversos momentos, sentir raiva de Wikus, mas não há como não se sensibilizar com ele ou até mesmo sentir dó conforme a narrativa vai avançando. É um personagem que passa por uma grande transformação tanto no aspecto interno quanto no externo. E é curioso observamos que há uma semelhança com a alteração física de Wikus com a alteração que ocorre com o personagem interpretado pelo ator Jeff Goldblum no filme “A Mosca” de David Cronenberg.

Quanto aos alienígenas, nos deparamos com criaturas estranhas, feias, desengonçadas. Parecem ser uma mistura do Predador com algum tipo de inseto. Blomkamp declara: "O maior desafio era fazer o público sentir, no começo, uma certa ojeriza pelos aliens, que eles parecessem insetos nojentos, mas, ao longo da história, criar uma empatia por eles”. E o diretor, de fato, consegue isso. Ao longo da narrativa, o espectador sente pena da condição em que vivem os alienígenas: marginalizados, hostilizados, desprezados em um mundo diferente e, consequentemente, bárbaro.

E muito mais do que querer simular uma verdade, o grande ponto forte desta obra é justamente a crítica social que a envolve e a analogia que traça com o mundo real. Além até mesmo da referência que estabelece com o continente africano e com as situações que, de fato, são intensas e cruéis, “Distrito 9” chama a atenção por mostrar, de certa forma, as relações humanas: cheias de interesse, conflitantes, repulsivas, repletas de desamor. Isso sim, muito mais do que as aparências alienígenas, causam impacto. E o espectador se depara com atitudes de exploração intensa contra os seres do outro mundo; não importa quem eles são ou o que sentem, mas sim a forma como se pode tirar proveito deles.

Outro ponto a ser comentado na narrativa é a utilização das locações: grande parte das ações rodadas nos barracos de Soweto, que apresentam um visual de impacto e transmitem a miséria de se viver em um local tão abandonado, sujo e degradante. Certamente o uso desta locação muito valorizou a proposta da narrativa, uma vez que deixou clara a condição de abandono que a comunidade de alienígenas se encontrava.

E quem assina a produção deste filme é Peter Jackson, conhecido pela direção de grandiosas obras como “O Senhor dos Anéis” e “King Kong”. Blomkamp afirma que Peter não forneceu dinheiro, mas sim financiou e fez o filme existir da maneira em que foi idealizado. “Distrito 9” custou US$ 30 milhões e com três dias em cartaz conseguiu se pagar.

A narrativa ainda apresenta uma série de efeitos especiais interessantes, com destaque para a nave dos alienígenas. Podemos notar que o diretor toma excessivo cuidado para não deixar que a história seja, como é comum ocorrer em muitos filmes, conduzida unicamente pelos efeitos utilizados. Isso comprova que há uma história de fato.

E mesmo com todos os aspectos positivos já citados, o filme apresenta um pequeno problema, pois traz alguns fatos sem nos dar os devidos esclarecimentos: De onde vêm os aliens? Para onde iam? O que de fato aconteceu com eles?
Ainda que a obra como um todo seja eficaz, isso acaba, de certa forma, trazendo uma frustração ao espectador que anseia por explicações.

E ainda que dotado de originalidade, “Distrito 9” é um filme que deve ser visto com um olhar mais apurado por parte do espectador, deixando-se de lado a expectativa de contemplarmos um simples entretenimento ou a novidade de uma ficção científica. Se visto unicamente desta maneira, a narrativa pode até mesmo se tornar cansativa, pois é justamente ao cutucar a ferida e traçar um paralelo com o social que a obra de Blomkamp, de fato, se torna grande e interessante.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://www.adorocinema.com/filmes/distrito-9/>. Acesso em 11.2009.

Disponível em: <http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u626184.shtml>. Acesso em 11.2009.

Disponível em: <http://www.sobaminhalente.com/distrito-9/>. Acesso em 11.2009.

Disponível em: <http://cinemmarte.files.wordpress.com/2009/10/distrito-9.jpg>. Acesso em 11.2009.

A Guerra dos Rocha

2009-10-27T11:36:00.000-07:00

Título original – A Guerra dos Rocha
País de origem – Brasil
Diretor – Jorge Fernando
Gênero – Comédia
Duração – 77 minutos
Ano – 2008

O diretor Jorge Fernando já é uma figura bastante conhecida do público brasileiro. Ele iniciou sua carreira como ator e posteriormente como diretor de uma série de títulos da teledramaturgia. Sua popularidade se deve, obviamente, muito mais pelas obras televisivas do que as cinematográficas. "A Guerra dos Rocha" é, na realidade, seu terceiro longa metragem. Os anteriores foram "Sexo, Amor e Traição" e "Xuxa Gêmeas".

A História é simples: Dona Dina é uma senhora muito atrapalhada e seus 03 filhos têm que decidir qual será, de fato, o destino dela. Em meio ao fervor da decisão, eles não percebem sua ausência e, quando se dão conta, parece ser tarde demais. A obra é um remake de um filme argentino chamado "Esperando la carroza"

Este terceiro trabalho é realizado com um elenco de muito peso e, como era de se esperar, praticamente todos eles são muito conhecidos do espectador que acompanha as obras da TV. Nomes como Ary Fontoura, Giulia Gam, Lúcio Mauro Filho, Diogo Vilela e Nicete Bruno encabeçam a narrativa. Isso, de certa forma, serve para atrair o público das telenovelas às salas de cinema, pois tende a criar uma identificação com este espectador. Não que isso seja um fator negativo. Muito pelo contrário. É uma possibilidade de crescimento para o cinema nacional. Por um outro lado corre-se o risco de transformar a obra cinematográfica em uma novela a ser exibida na tela grande. Naturalmente não há este risco somente pela questão do elenco, mas sim pela experiência e até mesmo influência do próprio diretor. E no caso da obra em questão isso acaba acontecendo.

Jorge Fernando aposta em uma fórmula comercial e aqui trabalha com uma comédia de temática leve e popular. E o uso de uma linguagem mais acessível, comum e consequentemente comercial não é, de forma alguma, negativa. O cinema nacional, e até mesmo o mundial, não se utilizam e nem podem sobreviver única e exclusivamente de uma linguagem ou estética rebuscada. E o filme comercial acaba sendo sim uma boa opção de entretenimento. Obviamente que uma obra cinematográfica para ser eficiente, independentemente do gênero ou da linguagem que utiliza, deve ser no mínimo interessante ou deve apresentar aspectos que de uma forma ou outra se destaquem e chamem a atenção do espectador. E este acaba não sendo o caso de "A Guerra dos Rocha". Aqui, embora tenhamos boas interpretações, o elemento cômico não é suficientemente forte, a narrativa não é tão atraente, não há planos e movimentos de câmera tão elaborados e o filme, desta forma, não consegue prender a atenção e nem gerar entusiasmo para o público.

Ary Fontoura protagoniza a história. Faz um papel feminino e propositalmente, por uma opção da direção, não apresenta trejeitos femininos. Desta forma temos uma figura estranha: uma senhora com um jeito mais masculinizado. Esta opção é diferente, mas acaba não chamando tanta atenção quanto talvez devesse ou se esperasse. Aliado a isso temos algumas situações: Ailton Graça interpreta um segurança bajulador, Ludmila Dayer faz o papel da loura futil e superficial e ainda há a presença do cantor Felipe Dylon, que apresenta uma atuação não convincente e que pouco acrescenta à narrativa.

E quanto aos aspectos televisivos fundindo-se aos cinematográficos, o livro "Cinema Brasileiro Hoje" de Pedro Butcher, traz as seguintes observaçõesao se referir ao sucesso de "O Auto da Compadecida": "Guel Arraes sempre foi um defensor de que as linguagens de cinema e TV são as mesmas, apenas os veículos são diferentes". O livro traz ainda uma menção do cineasta Jorge Furtado a respeito do cinema e da televisão: "São a mesma linguagem, com os mesmos signos, a mesma força da fotografia, músicas, palavras, luz e movimento. A diferença não é como se faz, é como se vê". E ele ainda acrescenta: "o cinema, como disse Jean-Claude Carrière, ama o silêncio. [...] a televisão odeia o silêncio. A imagem na televisão precisa constantemente da muleta do som e da palavra". Certamente este tipo de discussão, além de muito rica, pode apresentar inúmeros olhares. Fato é que o filme cinematográfico acaba não tendo sua força somente na atuação de bons atores. A luz, a fotografia, a música, o silêncio, os planos, o enquadramento, a riqueza de detalhes de um cenário, a composição e proposta da direção de arte, os efeitos visuais, a elaboração de um bom argumento, a apresentação de um roteiro eficiente tornam-se fundamentais para o sucesso da obra fílmica. Na Televisão, mais especificamente na teledramaturgia, certamente a grande sustenção está na escolha dos atores e no desenvolvimento de suas atuações. Os diálogos também são fatores de sucesso nesta área, visto que irão mover a história. Já os outros elementos que compõem a obra acabam por agir de uma maneira menos intensa, sem apresentar tanta notoriedade, destaque ou independência.

Trabalhando de forma oposta a filmes como "Copacabana" de Carla Camurati e "O Outro Lado da Rua" de Marcos Bernstein, a obra de Jorge Fernando trata de uma temática séria e que poderia ter tudo também para ser um drama no mercado brasileiro. E essa temática é justamente sobre a terceira idade e todo o universo de conflitos, problemas e situações vivenciados pelas pessoas que por ela passam. Um assunto sério e não muito explorado no cinema nacional e que aqui acaba sendo abordado de uma maneira suave e branda, cujo objetivo é criar uma situação cômica e divertida.

E um dos pontos interessantes que "A Guerra dos Rocha" apresenta é a escolha das locações, pois o filme, ou praticamente quase todo, é ambientado no belo bairro de Santa Teresa no Rio de Janeiro. Um cenário bonito, interessante e agradável. Além disso, temos também a rápida e divertida atuação do diretor ao final da narrativa, fechando a história de uma maneira engraçada e fazendo o espectador questionar o motivo pelo qual Jorge Fernando não conseguiu manter este mesmo ritmo no decorrer de todo o filme.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://www.interfilmes.com/filme_19690_A.Guerra.dos.Rocha-(A.Guerra.dos.Rocha).html>. Acesso em 10.2009.

Disponível em: <

http://www.adorocinema.com/filmes/guerra-dos-rocha#curiosidades>. Acesso em 10.2009.

Disponível em: <

http://pt.wikipedia.org/wiki/A_Guerra_dos_Rocha>. Acesso em 10.2009.

Disponível em: <

http://pt.wikipedia.org/wiki/Jorge_Fernando_de_Medeiros_Rebello>. Acesso em 10.2009.

Disponível em: <

http://www.paradoxo-rs.blogger.com.br/guerra-dos-rocha-poster01.jpg>. Acesso em 10.2009.

BUTCHER, Pedro. Cinema Brasileiro Hoje. São Paulo: Publifolha. 1ª edição 2005, 120 p.

Este Blog acerta em Cheio

2009-09-29T14:59:00.000-07:00

Este é o selo que o Tela Larga recebeu do amigo Ygor Moretti do blog Moviemento.

O Tela Larga agradece a indicação e recomenda os blogs que também acertam em cheio:

Dias de Tempestade
Mais uma Amèlie Poulain
MONSTRA
Música de Cinema
O MUNDO TEM INSCRIÇÕES SEMPRE ABERTAS

As recomendações são as seguintes:

1- Divulgue o nome de quem lhe indicou.

2 - Indique no minimo 5 Blogs para o selo.

Parabéns e muito sucesso a todos!!!

A Órfã

2009-09-28T14:30:00.000-07:00

Título original – Orphan
País de origem – EUA
Diretor – Jaume Collet-Serra
Gênero – Suspense
Duração – 123 minutos
Ano – 2009

Um casal vive um conflito: a perda de um dos filhos. Decidem então, com o intuito de superar o fato, adotar uma criança. Este é o ponto de partida que move o filme "A Órfã" e que, de certa maneira, pode enganar o espectador, pois a princípio parece que estamos lidando com mais um drama americano que trata de perdas e conquistas. Grande erro. O filme até explora isso sim, mas a proposta real é absolutamente distinta.

Escrito por David Johnson e Alex Mace e dirigido pelo espanhol Jaume Collet-Serra, a narrativa é um suspense intenso e até mesmo violento. E este espanhol não é inexperiente no assunto, pois foi também responsável pelo filme "A Casa de Cera" que, embora apresente uma história diferente, utiliza o mesmo gênero para contá-la.

A rotina do casal e de seus dois filhos é quebrada com a chegada de Esther, a jovem adotada. Ela se mostra uma jovem educada, inteligente e apresenta comportamento diferente das outras crianças. No início tudo é praticamente perfeito, porém à medida que os dias passam, os problemas surgem. Esther vai pouco a pouco dominando os membros da família até despertar suspeitas e desconfianças de Kate, sua mãe adotiva.

"A Órfã" começa devagar, lento, mas seu ritmo vai aumentando com o decorrer do filme. A narrativa apresenta uma série de aspectos: Há alguns sustos garantidos, embora ocorram em situações ou momentos gratuitos e fora de propósito; utiliza baixa iluminação, tornando assim a fotografia escura e contribuindo para intensificar a densidade das cenas e aumentar o clima de suspense; cria uma atmosfera misteriosa, obscura, densa e consequentemente tensa ao redor de Esther e sua origem; mune os espectadores de pistas, envolvendo-os assim na trama e na descoberta dos enigmas apresentados; trabalha com um roteiro convencional e linear. E um dos pontos mais altos do filme se encontra justamente no aspecto de envolvimento com o público. Aí a narrativa consegue força e êxito muito grandes, pois o diretor consegue fazer com que o espectador anseie em descobrir, juntamente com os personagens, o segredo que ronda a vida da protagonista. O público chega até mesmo a torcer para que o desfecho aconteça o mais rápido possível, para que desta forma todo o enigma seja desvendado.

O diretor, de maneira inteligente, cria uma frase de efeito para o filme que estimula o espectador a conferir a obra. Com um cartaz que exibe apenas o rosto enigmático da protagonista, Jaume Collet-Serra lança o seguinte termo: "Há algo errado com Esther". Esta frase de efeito, oficialmente conhecida como Tag Line, desperta no público a curiosidade para conferir o mistério desta personagem.

E por incrível que possa parecer é justamente aí que encontramos o grande problema desta obra. Após criar inúmeras expectativas e envolver o público de forma intensa, o diretor revela quem é e o que acontece de fato com Esther. E nesta hora a narrativa perde toda a sua força e vigor, fazendo com que o espectador chegue até mesmo a desvalorizar o filme. A explicação beira o exagero, o absurdo. E por parte do público fica o questionamento: "Puxa, mas é este o segredo de Esther?". Falta plausibilidade no argumento e, desta forma, "A Órfã" não somente decepciona, mas cai no descrédito total.

Há, entretanto, um ponto que é forte no filme. Ele talvez até justifique a ida do público às salas de cinema para conferir a narrativa. E especificamente estamos falando aqui da atuação de Isabelle Fuhrman, a protagonista da história. A direção de atores de "A Órfã", em linhas gerais, se mostra competente, porém no caso de Isabelle há bem mais do que isso. Não somente os gestos e falas são convincentes, mas as expressões, os olhares, o semblante, a fisionomia. Todo este conjunto dá, verdadeiramente, vida à Esther, que se mostra não apenas obscura, mas assustadora, sinistra e impactante. Este é o segundo longa cinematográfico desta americana de apenas 12 anos. Seu primeiro filme foi "Hounddog". Aqui ela mostra que veio, de fato, para ocupar as primeiras filas dos grandes talentos Hollywoodianos.

Ainda assim, nenhuma direção de atores, por mais brilhante que seja, é suficiente para segurar uma narrativa não convincente. E esta é exatamente a situação de "A Órfã", que teria tudo para ser um filme interessante, mas que por apresentar uma conclusão frágil e sem muita consistência, torna-se pouco atrativa. E para nós, ávidos apreciadores da sétima arte, basta torcer para o próximo lançamento deste diretor, confiantes de que ele consiga realizar uma obra que seja competente não somente no início e meio, mas também no final.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.pipocablog.com/post/758/a-orfa-filme-de-suspense-e-terror-produzido-pela-warner>. Acesso em 09.2009.

Disponível em: <http://www.cinepop.com.br/filmes/orfa.htm>. Acesso em 09.2009.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Jaume_Collet-Serra>. Acesso em 09.2009.

Disponível em: <http://www.interfilmes.com/buscaperson.Isabelle%20Fuhrman.html>. Acesso em 09.2009.

Disponível em: <http://www.gnccinemas.com.br/imagens/cartazes/a_%C3%B3rf%C3%A3.jpg>. Acesso em 09.2009.

G.I. Joe - A Origem de Cobra

2009-08-31T18:33:00.000-07:00

Título original – G.I. Joe: Rise of Cobra
País de origem – EUA
Diretor – Stephen Sommers
Gênero – Ação
Duração – 107 minutos
Ano – 2009

O diretor Stephen Sommers já é bastante conhecido nas terras brasileiras, afinal de contas foi responsável pela direção de filmes muito populares como: “A Múmia”, “O Retorno da Múmia” e “Van Helsing – O Caçador de Monstros”.

Pelo currículo acima citado, facilmente conseguimos identificar que este americano gosta de ousar e de realizar produções repletas de aventuras, ações e de muito efeitos especiais. E “G.I. Joe – A Origem de Cobra” não foge à regra.

A narrativa é, na realidade, uma adaptação dos quadrinhos e da série televisiva “Comandos em Ação”. Com a missão de proteger o mundo, a equipe G.I. Joe deve deter uma organização do mal chefiada por um traficante de armas. Dotados de armas poderosas e de equipamentos de alta tecnologia, os personagens se movem incessantemente durante pouco mais de uma hora e meia de exibição, fazendo o espectador quase perder o fôlego. A narrativa é intensa, apresentando ritmo frenético e rápido; os efeitos especiais são caprichados e enchem os olhos do público; os cenários são grandiosos e conseguimos apreciar tanto o deserto Egípcio quanto as gélidas terras dos Pólos. Tudo isso, obviamente, contribui para causar uma boa expectativa e ótima impressão para os que adentram as salas de cinema. Sommers usa e abusa da técnica e causa impacto com sua produção.

E além de toda a ação, há também um conflito como pano de fundo. E este conflito revela e justifica toda a revolta, brutalidade e atitude da personagem Baronesa, interpretada pela atriz Sienna Muller. Obviamente não há qualquer profundidade ou densidade neste aspecto, até mesmo pelo fato de que não é este o foco principal da trama. O que importa, verdadeiramente, é a ação em si.

Há cenas interessantes, grandiosas. Certamente a de maior evidência é o ataque das forças do mal em plena Paris. Ali os vilões têm a chance de usar um material poderoso que consegue corroer metal e, sendo assim, a capital francesa se torna um caos.

O roteiro é tradicional: A narrativa é linear; há luta do bem contra o mal; presença clara e marcante de antagonistas e protagonistas; pontos de virada; subtramas. É a fórmula certa para dar resultado garantido e satisfatório. E isso sem contar o trabalho de pesquisa do diretor, que foi imenso e muito trabalhoso. Sommers teve que assistir 185 episódios dos desenhos e ler 180 edições da série de quadrinhos. Desta forma conseguiu dar vida e forma ao filme.

Jean-Claude Carrière faz o seguinte comentário em seu livro “A linguagem secreta do cinema”: “Os avanços técnicos fazem parte, simplesmente, da ordem natural das coisas; nunca significaram que uma forma de arte estivesse progredindo”. E ao falar sobre as facilidades técnicas, Carrière complementa: “E continuamos virtualmente cegos para o essencial: nossa escassez de inventividade verdadeira, nossas lamentáveis idéias repetitivas, nossas histórias cheias de lugares comuns.” E essas colocações aqui citadas parecem se encaixar perfeitamente na obra de Sommers, pois há excesso de efeitos e a história fica a desejar.

A verdade é que “G.I. Joe – A Origem de Cobra” teria tudo para se tornar grande e poderoso, mas na realidade não consegue chegar lá. Apesar de tanta técnica e sofisticação de efeitos e imagens, a narrativa é chata, cansativa, não consegue prender a atenção do público e, de fato, os efeitos acabam se tornando os grandes protagonistas da história. A trama, por si só, não tem sustentabilidade.

A intensidade da ação chega, em alguns momentos, até mesmo a gerar certa confusão. Há um trecho em que não conseguimos sequer identificar quem faz parte da equipe do bem e quem faz parte da equipe do mal, pois os equipamentos de locomoção começam a se chocar uns com os outros de maneira frenética, confundindo assim o espectador.

O filme de Sommers chegou a atingir a primeira colocação nas bilheterias americanas com a arrecadação de US$ 56,2 milhões, mostrando que, de fato, este cineasta busca e realiza projetos ousados.

E a obra também aproveita a chance de abraçar uma outra fatia do mercado que vai além do filme em si: a oportunidade para a criação dos bonecos da série. Isso certamente irá agradar a legião de fãs do seriado e, de uma certa forma, talvez seja a grande ou talvez até a única justificativa de fazer com que “G.I. Joe – A origem de Cobra” tenha sido concebido para o cinema.

BIBLIOGRAFIA:

CARRIÈRE, Jean-Claude. A linguagem secreta do cinema. Rio de Janeiro: Editora Nova Fronteira. 2ª edição 1995, 224p.

Disponível em: <

http://www.interfilmes.com/filme_19634_G.I.Joe.A.Origem.de.Cobra-(G.I.Joe.Rise.of.Cobra).html>. Acesso em 08.2009.

Disponível em: <http://cinema.sapo.pt/filme/gi-joe-the-rise-of-cobra>. Acesso em 08.2009.

Disponível em: <http://www.cinemaemcena.com.br/Perfil_Detalhe.aspx?id_entidade=1133&ID_FILME=2728>. Acesso em 08.2009.

Disponível em: <http://www.confrariadecinema.com.br/personalidade.jsp?id=220>. Acesso em 08.2009.

Disponível em: <http://cinema.uol.com.br/ultnot/2009/08/04/ult4332u1178.jhtm>. Acesso em 08.2009.

Disponível em: <http://www.cenasdecinema.com/2009/08/gi-joe-origem-de-cobra.html>. Acesso em 08.2009.

The Brown Bunny

2009-07-27T18:53:00.000-07:00

Título original – The Brown Bunny
País de origem – Estados Unidos / Japão / França
Diretor – Vincent Gallo
Gênero – Drama
Duração – 90 minutos
Ano – 2003

Bud Clay, um piloto de motos, tenta a todo custo se desfazer das lembranças de Daisy, sua namorada. E para isso ele se envolve com as mulheres que conhece ao longo de sua jornada. São envolvimentos rápidos, passageiros, superficiais, sem qualquer tipo de comprometimento.

Utilizando-se desta justificativa é que o americano Vincent Gallo conduz o seu segundo longa-metragem. E o diretor assume inúmeras outras responsabilidades nesta narrativa. Ele é também o roteirista, produtor, diretor de fotografia, editor, diretor de arte e ator, além de ter uma co-participação na parte musical. Gallo, mais do que um diretor, demonstra ser um cineasta completo. Completo e complexo, pois apresenta uma estética narrativa bastante peculiar e que, certamente, não agradará ao público de uma forma geral.

“The Brown Bunny” é, na realidade, um drama que foge bastante às convenções do gênero. Muito longe de termos um apelo emotivo ou até mesmo uma história essencialmente triste, o filme explora os aspectos psicológicos, em especial do protagonista, com muita densidade e propriedade. E o diretor consegue fazer isso com muita eficácia.

Bud Clay, interpretado pelo próprio Gallo, é um homem perturbado, atormentado, desiludido e sem rumo. Aos poucos vamos descobrindo que a morte da namorada e suas lembranças são fatores que o angustiam. E o espectador se torna cúmplice fiel desta conclusão, pois Gallo nos traz para o filme e passamos a vivenciar, assim como o protagonista, o vazio de sua vida. E é justamente neste ponto que o filme se torna uma ótima obra, mas também cria um grande problema.

A narrativa apresenta enquadramentos estranhos, closes intensos, imagens fora de foco, poucos diálogos, falta de ação. Praticamente nada acontece durante todo o filme. Todos estes fatores são sinais de que a vida de Bud é sem direção, sem sentido, sem sabor. O vazio parece rondar seu destino. E isso tudo se torna transparente para o público, pois passamos a vivenciar tais sensações ao acompanharmos a história. Com isso Gallo consegue obter êxito na sua proposta, mas por outro lado a narrativa se torna enfadonha e, em diversos momentos, entediante. Certamente isso contribui para que ocorra dispersão por parte do espectador.

Já vimos utilização de técnica semelhante em ótimas obras como “A Vida de Jesus” de Bruno Dumont, onde a rotina da vida do personagem principal é vivida também pelo espectador, através de um cotidiano onde praticamente nada acontece. O filme “O Rio” de Tsai Ming-Liang também apresenta proposta muito parecida no sentido estético da narrativa, pois utiliza-se de poucos diálogos, enfatiza o lado mecânico da vida, mostra a perturbação psicológica pelo qual os personagens passam.

Diferentemente dos casos acima citados, “The Brown Bunny” peca pelo excesso e isso acaba comprometendo, de certa forma, o andamento do filme. Mesmo em se tratando de uma narrativa pouco convencional, dirigida para um público que deseja apreciar a obra cinematográfica sem se preocupar com imagens repletas de ação ou de efeitos, o filme sofre dificuldades em sustentar, não o argumento, mas sim o público.

Os pontos de virada do roteiro são praticamente inexistentes, exceto com a proximidade do fim da narrativa, onde há um encontro entre Bud e sua namorada. E exatamente neste ponto é que acontece a cena de um relacionamento sexual oral em que, além do ato em si, o espectador terá algumas revelações. A cena é mostrada de forma bastante explícita e poderia ter sido reduzida. Distante de ser uma sequência gratuita ou desnecessária, uma economia de tempo geraria, muito provavelmente, um resultado benéfico. Foi uma sequência bastante comentada entre os críticos de cinema.

Este segundo trabalho de Gallo teve um orçamento de 10 milhões de dólares. Foi considerado por diversos críticos como o pior filme já selecionado para a Mostra Competitiva do Festival de Cannes, porém, após sofrer um corte de aproximadamente 20 minutos, foi elogiado pelos mesmos críticos que o renegaram. E desta forma venceu o prêmio da crítica no Festival de Veneza.

O próprio diretor fez a seguinte afirmativa: “O meu filme é um desastre. Nunca mais vou dirigir.” Certamente Gallo exagerou na colocação a respeito do próprio trabalho e, sem dúvida nenhuma, o cineasta parece ser uma grande e interessante opção para os que buscam um cinema alternativo e com conteúdo. Evidentemente mais um nome para contribuir com o Cinema Autoral.

BIBLIOGRAFIA:

Disponivel em: <

http://www.omelete.com.br/cine/100002577.aspx>. Acesso em 07.2009

Disponivel em: <

http://www.adorocinema.com/filmes/brown-bunny/brown-bunny.asp>. Acesso em 07.2009

Disponivel em: <

http://www.coisadecinema.com.br/matCriticas.asp?mat=2200>. Acesso em 07.2009

Disponivel em: <

http://www.cineplayers.com/perfil.php?id=7608>. Acesso em 07.2009

Disponivel em: <

http://pt.wikiquote.org/wiki/Vincent_Gallo>. Acesso em 07.2009

Disponivel em:<

http://battlenerds.wordpress.com/2008/12/22/the-brown-bunny/>. Acesso em 07.2009

Verônica

2009-06-30T12:04:00.000-07:00

Título original – Verônica
País de origem – Brasil
Diretor – Maurício Farias
Gênero – Ação
Duração – 87 minutos
Ano – 2009

Ação, tiroteio, drogas, corrupção e uma correria intensa fazem parte do universo do filme “Verônica”.
A história é simples: Verônica é uma professora da rede municipal. Cansada com a rotina dura de sua profissão, ela enfrenta o problema de saúde com a mãe. Separada do marido, um policial interpretado pelo ator Marco Ricca, Verônica não somente mora, mas também tem que se virar sozinha.
Até aqui não parece haver muita novidade, afinal de contas muitas pessoas se enquadram em modelos muito semelhantes. O que Verônica ainda não sabe é que a sua vida sem graça e comum está prestes a mudar de rumo. E isso acontece quando ela leva um de seus alunos de volta para casa e se depara com o assassinato dos pais do menino. E o alvo dos assassinos é agora o próprio menino. E para completar a desgraça, os bandidos estão ligados à polícia corrupta do Rio de Janeiro.

O diretor Maurício Farias assina aqui seu terceiro longa metragem. Para quem não sabe ele já dirigiu “O Coronel e o Lobisomem” e “A Grande Família – O Filme”, além também de ser diretor do seriado televisivo “A Grande Família”. Filho do cineasta Roberto Farias, Maurício assina também o roteiro e a produção, ao lado de Bernardo Guilherme e Sílvia Fraiha respectivamente.

“Verônica” já começa com uma abertura excelente e eficaz, pois insere o público no clima do filme. Uma animação apresenta todo o elenco e a equipe técnica, ao mesmo tempo em que revela os primeiros sinais do que o espectador irá ver ao longo da obra. Com ritmo pesado e frenético, a música de abertura também ajuda a intensificar a ação da narrativa.

A partir daí o filme vai tomando forma, corpo e conteúdo, pois as ações são intensas e a trama é, de certa forma, bem articulada. E de uma maneira bastante eficiente, Farias consegue prender o espectador angustiado até o final da obra. E esta é, na realidade, a grande faceta desta narrativa.

“Verônica” se utiliza de um roteiro linear, com pontos de virada bastante perceptíveis e, mesmo com alguns questionamentos quanto à veracidade das ações dos personagens, o que de fato vai importar para o público é o resultado da fuga da professora com o aluno.
E desta maneira, ao longo dos quase 90 minutos de filme, não paramos de questionar: Será que irão escapar da perseguição de forma segura?

A protagonista da história é a atriz Andréa Beltrão, esposa do diretor. Fez uma interpretação bastante convincente, conseguindo se desvencilhar do estereótipo cômico que costumamos encontrá-la. E o próprio diretor confessou: “O filme foi feito especialmente para a Andréa que, além de atuar, produziu e colaborou com o roteiro. Há muitos anos sonhava em trabalhar no cinema com ela, tê-la como protagonista”.
Ao lado de Andréa encontramos também o ator Matheus de Sá, que fez uma boa interpretação do garoto Leandro, e o já comentado ator Marco Ricca, que fez uma atuação bastante digna na pele do ex-marido de Verônica.
Dentre os personagens secundários temos ainda a presença de ótimos nomes como Flávio Migliaccio e Ailton Graça, que embora não tenham presença constante na história, são nomes que no mínimo enriquecem o elenco da obra.

Mas há um único problema na narrativa. Talvez não seja um problema de fato, mas no mínimo é assunto para gerar questionamento. E ele está justamente ligado aos personagens de Verônica e Leandro.
Logo no início da obra o espectador começa a perceber que Verônica é uma professora desgastada com a profissão, vive uma rotina bastante cansativa e sente a necessidade de mudar. Com problemas familiares e, de certa forma, sentimentais, a professora vai se transformando no decorrer da narrativa e passa de oprimida a destemida.
Leandro, o garoto cujos pais foram assassinados, fica sabendo da perda ouvindo uma conversa atrás da porta. De imediato parece sofrer um impacto e foge, mas ao reaparecer não parece dar demonstrações de sofrimento com a situação.
Pois bem, o que justamente parece faltar é maior credibilidade a estes dois personagens quando levamos em conta suas origens, transformações e atitudes.
Será mesmo que uma professora com vida rotineira e tediosa teria a coragem para comprar a briga com traficantes e com a própria polícia? O garoto se manteria tão indiferente diante da perda dos pais?
Estas são especulações que nos fazem refletir no decorrer da obra e que podem, de alguma forma, tirar um pouco da força destes dois personagens, ainda que não decepcione a narrativa como um todo.

Ainda falando nos personagens, identificamos certa semelhança de Verônica e Leandro com Dora e Josué, os protagonistas do filme “Central do Brasil” de Walter Salles, que foram interpretados por Fernanda Montenegro e Vinícius de Oliveira.
Obviamente que Verônica e Leandro se encontram em situação um pouco diferenciada, em contextos diversos, mas tal qual a obra de Salles, aqui também vemos vidas separadas que de alguma forma vão se unindo e se fortalecendo.
Em ambas as obras o sentimento de solidariedade vai surgindo aos poucos e a relação de afeto e proteção vai crescendo.

Um outro aspecto interessante em “Verônica” é a montagem.
Quando a professora fica sabendo da situação do aluno e do perigo iminente que correm, a câmera faz um movimento circular e mostra o rosto da protagonista de um ângulo diferente. Neste momento várias imagens lhe surgem à mente. Através de cortes secos e rápidos vemos cenas do carro de polícia, os corpos dos pais de Leandro sendo transportados, a morte de sua mãe, o cotidiano da professora. É a vida passando em segundos por sua cabeça. A atmosfera e o ritmo criados são intensos, frenéticos, alucinantes.
A partir deste momento a imagem do filme também sofre modificação. A fotografia clara e natural se torna opaca, granulada e cru, intensificando assim a mudança pela qual a personagem irá passar.
Situação semelhante também ocorre quando a professora, refugiada na casa da amiga, começa a refletir sobre sua vida. Imagens rápidas com cortes secos são inseridas, demonstrando assim a angústia que Verônica vivencia.

A trilha sonora, assinada por Branco Mello e Emerson Villani, é também bastante competente e cria uma ambientação muito adequada para a história.

Em aspectos gerais podemos, sem sombra de dúvida, afirmar que a obra de Farias é muito eficaz. Ele consegue prender o espectador, gerar suspense, criar angústia. Mais do que isso, sua obra também serve como crítica e reflexão, pois lida com aspectos sociais delicados.
Embarca na carona de filmes como “Tropa de Elite” ao denunciar a corrupção da polícia, mostra de forma sutil o sistema falido na área da saúde e aponta para o caótico universo educacional pelo qual passa nosso país.
E são todos estes detalhes que fazem “Verônica” receber nosso mais profundo respeito e atenção.

BIBLIOGRAFIA:

Disponivel em: <http://www.cinepop.com.br/filmes/veronica.htm>. Acesso em 06.2009

Disponivel em: <http://cinefilapornatureza.wordpress.com/2009/02/16/veronica/>. Acesso em 06.2009

Disponivel em: <http://pilulapop.virgula.uol.com.br/ressonancia.php?id=20>. Acesso em 06.2009

Disponivel em: <http://www.cineplayers.com/perfil.php?id=12147>. Acesso em 06.2009

Disponivel em: <http://www.caras.com.br/edicoes/797/textos/mauricio-farias-e-andrea-beltrao/>. Acesso em 06.2009

Anjos da Noite - A Rebelião

2009-05-30T23:05:00.000-07:00

Título original – Underworld: Rise of the Lycans
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Patrick Tatopoulos
Gênero – Ação
Duração – 92 minutos
Ano – 2009

O francês Patrick Tatopoulos assume aqui sua estréia na direção de um longa metragem. Para quem não sabe, Tatopoulos tem um currículo que certamente pode ser classificado como exemplar. Ele já atuou nos Departamentos de Arte, Efeitos Especiais e Efeitos Visuais. Teve também atuações como figurinista, maquiador e até mesmo como ator. Dentre seus inúmeros trabalhos e funções podemos destacar “Alien Vs. Predador”, “Eu sou a Lenda”, “Eu, Robô”, “Duro de Matar 4.0” e “Anjos da Noite”.

“Anjos da Noite – A Rebelião” mostra o conflito existente entre os vampiros e os lobisomens. O jovem Lucian é, na realidade, um líder da raça dos Lycans e que tem como função comandar os lobisomens. Ele está sob as ordens de Viktor, o vampiro poderoso que escravizou a raça dos Lycans. Lucian se revolta e luta por sua liberdade, assim como a de seu povo. Para completar a trama temos um romance como pano de fundo. Lucian se alia e se apaixona por Sonja, filha de Viktor. O grande problema é que este romance é considerado proibido. A partir daí já temos elementos para uma história que parece ser, no mínimo, envolvente.

O filme tem aspectos bastante interessantes. Como foi totalmente filmado na Nova Zelândia, o espectador irá se deparar com locações exuberantes e suntuosas. Os efeitos especiais são muito bons, especificamente no que diz respeito às performances e transformações dos lobisomens. Quanto a isso, o diretor relata que foram feitas sequências inteiras totalmente criadas com computação gráfica. A exigência de Tatopoulos foi bem grande, pois além de diretor, ele tem também tem a visão e a técnica de um especialista em efeitos e designer.

Provavelmente o que mais consegue chamar a atenção na obra é a estética utilizada. O filme apresenta uma coloração azulada, criando assim um aspecto sombrio, obscuro e sinistro, que irá inserir o público no clima e na atmosfera desejada pelos realizadores. As cenas, em geral, são escuras, apresentam baixa luminosidade, dando assim a sensação de estarmos diante de um mundo cruel e sem vida.

A estrutura narrativa é absolutamente clássica e linear. Temos início, meio, fim, protagonistas, antagonistas, amores conflituosos. Uma receita bastante clichê, mas que ainda assim pode, e costuma, gerar resultados satisfatórios e também lucrativos.

A trama até soa interessante, embora esteja bem longe de ser original. É uma espécie de “Romeu e Julieta” com roupagem absolutamente distinta. Na verdade, hoje já é bastante comum identificarmos obras com natureza semelhante no que diz respeito às lutas e conflitos entre seres de natureza monstruosa. Casos como “Van Helsing – O caçador de Monstros” de Stephen Sommers, “Alien vs. Predador” de Paul W. S. Anderson e “Freddy vs. Jason” de Ronny Yu são belos exemplos. Obviamente que “Anjos da Noite – A Rebelião” possui uma identificação muito maior com a obra de Sommers, pois ambos trazem a presença tanto de vampiros quanto de lobisomens. É importante também lembrarmos que a idéia da trama dirigida por Tatopoulos é até mais antiga do que a aventura de Van Helsing, pois este é o terceiro filme da saga dos Lycans. Os dois primeiros filmes foram “Anjos da Noite” e “Anjos da Noite – Evolução”, ambos de 2003 e 2006 respectivamente.

Apesar de todo o aspecto tecnológico ser muito bem cuidado e de contar com um trabalho bastante apurado quando falamos em efeitos visuais, especiais e maquiagem, “Anjos da Noite – A Rebelião” fica a desejar em termos de estrutura. O roteiro em si não chega a ser ruim, mas ao longo dos 92 minutos de exibição o espectador se levanta da poltrona com uma sensação de que faltou algo para, de fato, chamar a atenção. Talvez este aspecto esteja relacionado à direção, talvez seja a própria temática em si que não contribua muito, mas o fato é que o filme não convence, tampouco empolga.

No livro “Estética do Cinema” de Gérard Betton há uma citação da cineasta Liliana Cavani que diz: “Espectadora de cinema ou de teatro, quero ser surpreendida pelo que vejo. Caso contrário, terei a impressão de estar escutando pela centésima vez um concerto ou um discurso. Isto não me impede de preferir alguns momentos a outros, mas quero receber uma impressão imediata para saber se o espetáculo será bom ou não.” A afirmativa de Cavani parece resumir um pouco do que ocorre com a obra de Tatopoulos. O espectador não é surpreendido e as impressões imediatas não têm força suficiente para despertar interesse, fazendo assim com que o filme se torne uma obra morna.

No final do filme o diretor já deixa clara a proposta de uma continuação e, independente das mãos que irão reger tal sequência, esperamos sinceramente que esta possa ter maior êxito, fazendo assim com que a obra atinja um lugar de destaque e reconhecimento junto aos bons títulos existentes que pertencem a este gênero.

BIBLIOGRAFIA:

BETTON, Gérard. A Estética do Cinema. São Paulo: Ed. Martins Fontes. 1ª edição 1987, 122p.

Disponível em: <

http://www.interfilmes.com/filme_19894_Anjos.da.Noite.A.Rebeliao-(Underworld.Rise.of.the.Lycans).html>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <

http://www.cinemaemcena.com.br/ficha_filme.aspx?ID_FILME=6595&aba=cartazes>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <

http://omelete.com.br/cine/100019229/Omelete_Entrevista__Patrick_Tatopoulos__o_diretor_de_Anjos_da_Noite__A_Rebeliao.aspx>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <

http://epipoca.uol.com.br/gente_detalhes.php?idg=43400>. Acesso em 04.2009.

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http://www.imdb.com/name/nm0851281/>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <

http://epipoca.uol.com.br/filmes_detalhes.php?idf=6003>. Acesso em 05.2009.

Disponível em: <

http://www.adorocinema.com/filmes/freddy-vs-jason/freddy-vs-jason.asp>. Acesso em 05.2009.

Disponível em: <http://www.adorocinema.com/filmes/alien-vs-predador/alien-vs-predador.asp>. Acesso em 05.2009.

Alma Perdida

2009-04-17T15:32:00.000-07:00

Título original – The Unborn
País de origem – Estados Unidos
Diretor – David S. Goyer
Gênero – Terror
Duração – 88 minutos
Ano – 2009

O currículo de David Samuel Goyer traz uma série de filmes bastante conhecidos pelo público que aprecia cinema, em especial aos fãs das histórias de Batman e Blade. Pois bem, este americano é responsável pela direção de “Blade Trinity” e pela roteirização de “Batman Begins”, “Batman – O cavaleiro das Trevas”, o já mencionado “Blade Trinity” e o recente “Jumper”. Pelas obras já citadas, percebemos que este cineasta é um adepto de grandes e obscuras aventuras dentro de universos fantásticos, misteriosos e ficcionais.

Em “Alma Perdida” ele utiliza elementos semelhantes, porém aqui o grande lance é o terror em si. Muito mais do que a obscuridade e o mistério, a criação de uma atmosfera macabra e acima de tudo maligna se faz presente. E não é só presente. É absolutamente intensa.

A trama é simples. A jovem Casey começa a ser atormentada por uma série de pesadelos e visões. Dentre eles, ela vê um cachorro mascarado e principalmente um menino estranho e de aparência fantasmagórica que aparece e desaparece a todo instante. Este menino é, na realidade, o irmão gêmeo de Casey, porém ela sequer sabe de sua existência, visto que ele morreu no parto. E o menino tem um único objetivo: Necessita de um corpo para reencarnar. E é em cima desta argumentação que a obra caminha, trazendo assim ao espectador elementos diversificados como o holocausto e diretrizes espirituais.

“Alma Perdida” não traz nada de extraordinário. Inversamente a isso caminha pelo trivial, utilizando temática já bastante explorada e sem qualquer diferenciação ou criatividade. Em diversos momentos podemos identificar propostas já vistas anteriormente em outras obras cinematográficas. Há flertes com filmes como “O Chamado”, “O Grito” e “O Exorcista”, sem, é claro, apresentar a competência dos mesmos.

Certamente o que muito chama a atenção nesta obra são as locações, tanto as internas quanto as externas. Casas imensas e assustadoras, quartos escuros, escadas sinistras e parques desertos e nebulosos contribuem para criar uma atmosfera misteriosa. Em algumas cenas o espectador se depara com câmeras em plongée, que parecem ser utilizadas para intensificar o clima de medo e terror proposto pela narrativa.

Há também a utilização de um elemento que parece ser, no mínimo, interessante e não tão conhecido assim. No filme muito se fala em dybbuk. Na verdade este termo vem do misticismo judaico e se refere às almas malignas e vagantes. Isso traz uma certa “novidade” ao contexto fílmico, sendo que tal elemento apresenta grande importância para a obra.

Com tudo isso Goyer não cria um filme que seja inteiramente ruim. A história até é razoável, o filme é mediano. Obviamente o grande problema de “Alma Perdida” é a falta de criatividade. Mesmo com uma temática tão recorrente, ainda é possível criar uma obra interessante e talvez até mesmo inteligente. E o que acontece aqui é que o filme se sustenta em cima dos inúmeros sustos que se sucedem ao longo de sua exibição. E mesmo para um filme de terror não é possível se apoiar apenas neste artíficio. Pelo contrário. Os sustos apenas fazem parte de um processo que vem em consequência de uma narrativa eficiente, de um roteiro bem estruturado e perspicaz e de uma boa história.

E para os seguidores de Goyer resta agora aguardar sua próxima obra, que está prevista para 2011. Nada mais, nada menos do que o tão esperado “X-Men Origins: Magneto”, que traz a trajetória do mutante Magneto. Um filme que parece prometer, e que se seguir um caminho diferente de “Alma Perdida”, certamente deve cumprir.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <http://www.cinepop.com.br/filmes/almaperdida.htm>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <http://br.cinema.yahoo.com/filme/15677/sinopse/almaperdida>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <http://www.cineplayers.com/perfil.php?id=12054>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/David_S._Goyer>. Acesso em 04.2009.

Disponível em: <http://g1.globo.com/Noticias/PopArte/0,,MUL1050031-7084,00-EXPERIENCIA+NAZISTA+SERVE+DE+DESCULPA+EM+ALMA+PERDIDA.html >. Acesso em 04.2009.

Um Beijo Roubado

2009-03-30T10:53:00.000-07:00

Título original – My Blueberry Nights
País de origem – Hong Kong / China / França
Diretor – Wong Kar-Wai
Gênero – Drama
Duração – 90 minutos
Ano – 2007

Elizabeth descobre que seu namorado mantém um romance com outra mulher. Irritada com o fato, ela resolve deixar suas chaves no café / restaurante em que o namorado esteve, visando assim o rompimento de seu relacionamento. Jeremy, o dono do local, mantém um pote com uma série de chaves que, na verdade, indicam términos de relacionamentos ou de fatos importantes na vida das pessoas. Neste clima de abandono, Jeremy e Elizabeth criam uma afinidade que resulta em uma atração mútua.

A partir daí temos o mote para a narrativa de “Um Beijo Roubado”. Mas a história não é somente esta. Há muito mais do que isso. Elizabeth, a protagonista da obra, decide fazer uma viagem. Desta forma o espectador terá acesso a mais duas narrativas que irão solidificar o conteúdo principal. Elizabeth conhece os dramas de Arnie, um policial alcoólatra, e de Leslie, uma jogadora. Histórias distintas, mas que possuem pontos em comum: solidão, tristeza, traição, falta de amor, vazio, inconformismo. Tudo isso faz parte do Universo da obra, que embora apresente elementos tão dramáticos e densos, não é necessariamente um filme depressivo.

Wong Kar-Wai não arranca lágrimas do público. Não é esta a intenção. Ele apenas evidencia, revela e expõe os fatos, trabalhando assim com personagens complexos e que, de certa forma, não estão tão distantes do nosso cotidiano. Sentimentos como os mencionados a pouco não somente fazem parte da vida do ser humano, mas até mesmo são muito comuns, e é neste contexto que o diretor gosta de pisar. E ele faz isso de maneira impecável.

“Um Beijo Roubado” é um belo filme. Tem uma narrativa bem feita, uma ótima interligação com as tramas paralelas, apresenta harmonia, e é muito fácil o espectador, no decorrer de uma hora e meia de exibição, se apaixonar e torcer pelo casal Jeremy e Elizabeth, interpretados respectivamente por Jude Law e Norah Jones.

A cantora Norah Jones realiza aqui seu primeiro trabalho na área cinematográfica e, mesmo sendo uma estreante, mostrou ter conseguido um bom desempenho. Sua responsabilidade foi grande, pois além de ser sua primeira atuação, Norah assumiu o papel da protagonista da narrativa.

De uma forma geral as atuações foram muito boas e convincentes, mas certamente o ponto alto ficou a cargo de David Strathairn, que interpretou o personagem Arnie Copeland, que é o policial alcoólatra que foi abandonado pela mulher. Strathairn fez uma bela atuação, mostrando um personagem deprimido e envolvido com uma situação dramática culminando em um final trágico e emocionante. O ator participou de inúmeros filmes em sua carreira e foi indicado ao Oscar, Globo de Ouro, BFTA, Independent Spirit Awards e Festival de Veneza pela obra “Boa Noite e Boa Sorte”, ganhando um Leão de Ouro neste último citado.

Há ótimas cenas de um trem que são inseridas no decorrer da narrativa, representando assim o ir e vir da personagem, que é muitas vezes sem rumo e com destino incerto. O filme traz também uma proposta que lembra muito os road movies. Isso ocorre quando Elizabeth entra em contato com Leslie, interpretada pela atriz Natalie Portman. Ambas viajam para fazer uma visita ao pai da personagem. Na estrada vemos cenas com paisagens belas, o transitar dos veículos em alta velocidade, as reflexões das personagens que se tornam bilaterais: conhecem a si mesmas e se fazem conhecer e desvendar ao espectador.

“Um Beijo Roubado” foi o filme de abertura do Festival de Cannes 2007, teve um orçamento de 10 milhões de dólares e foi o primeiro filme em inglês do diretor Wong Kar-Wai. É uma obra delicada, bastante peculiar, competente, embora nem de longe possa ser comparada a outros trabalhos do diretor. Não encontraremos aqui a mesma delicadeza e poesia de “Amor à Flor da Pele” e nem a dramaticidade e densidade de “Felizes Juntos”, mas ainda assim este chinês demonstra ser um dos grandes nomes do cinema contemporâneo, e que ainda muito tem a acrescentar aos amantes das boas, grandes e memoráveis obras da tela grande.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em:

http://www.adorocinema.com/filmes/beijo-roubado/beijo-roubado.asp.

Acesso em 03.2009.

Disponível em: http://www.omelete.com.br/cine/100011990/Um_Beijo_Roubado.aspx. Acesso em 03.2009.

Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/Norah_Jones. Acesso em 03.2009.

Disponível em: http://www.adorocinema.com/personalidades/atores/david-strathairn/corpo.asp. Acesso em 03.2009.

Robert Burks - Uma Vida no Cinema

2009-02-27T09:36:00.000-08:00

Título original – Robert Burks – Uma Vida no Cinema
País de origem – Brasil
Diretor – Rafael Ruzene
Gênero – Documentário
Duração – 17 minutos
Ano – 2008

A obra discutida aqui, na verdade, não se refere a um filme que foi exibido nas telas do cinema. Sendo assim, infelizmente, não foi apreciada pelo grande público. “Robert Burks – Uma Vida no Cinema” é, na realidade, um trabalho Acadêmico feito por alunos de Cinema Digital. De qualquer forma isso acaba sendo um mero detalhe. O que encontramos aqui é um trabalho de pesquisa aprofundado, consistente e consciente.

Quem assina a direção da obra, assim como o roteiro e a edição, é Rafael Ruzene. Longe de termos uma produção composta por entrevistados ou por enquadramentos elaborados, o que Ruzene nos traz é uma série de imagens estáticas e cenas de filmes. Aliado a estes elementos, a voz do narrador vai construindo e reforçando a narrativa ao mesmo tempo em que costura as cenas, introduzindo assim o espectador aos universos cinematográficos e biográficos de Burks.

Mas, afinal de contas, os leitores devem estar se perguntando: Quem é o tal do Robert Burks? Este americano foi um grande diretor de fotografia que trabalhou em inúmeros filmes do mestre Alfred Hitchcock. É óbvio que o documentário se encarrega de responder esta pergunta de maneira brilhante e elucidativa, demonstrando as técnicas utilizadas pelo profissional, assim como revelando seu estilo.

A obra já começa com uma boa introdução e nos traz um questionamento ao indagar o que cinco atrizes têm em comum. Após, o espectador se depara com uma bela edição, onde um flash fotográfico se alia a imagem de uma câmera Arriflex. Feito isso, o documentário se inicia de fato.

A partir daí o espectador terá acesso a inúmeras informações, desde a menção da trajetória do cinema após a depressão, o desenvolvimento das super produções, o início de carreira de Burks como técnico de efeitos especiais, os primeiros trabalhos com a câmera, os altos e baixos de Hitchcock e a união entre os dois grandes gênios, o que de fato resultou numa parceria de grande êxito e de ótimos trabalhos.

Burks fotografou doze filmes de Hitchcock, dentre eles sucessos como: “A Tortura do Silêncio”, “Disque M para Matar”, “Janela Indiscreta”, “Um Corpo que Cai” e “Os Pássaros”.

Todo o documentário é regado por belas cenas que ilustram seu estilo e sua técnica, fazendo com que o espectador aprecie sua obra ao mesmo tempo em que recebe informações precisas e esclarecedoras.

Além do trabalho minucioso de pesquisa e de escolha de imagens, a obra apresenta destaque para a edição. Aqui encontramos um trabalho primoroso, refinado e muito bem cuidado. Há uma predominância dos cortes mais secos, mas também encontramos alguns fades no decorrer da narrativa. Vale ressaltar o trecho que aborda o filme “Os Pássaros”, pois vemos uma sequência de cenas de ataque de pássaros através de uma edição com cortes rápidos e intensos, aliados a uma sonorização frenética e com um ritmo tenso, propiciando assim um aumento do terror.

O off ficou a cargo de Caetano Cotrim, que apresenta uma voz clara e forte, resultando assim em uma narração eficaz.

O trabalho foi realizado em duas versões: a completa possui 17 minutos, enquanto a compacta é de apenas 10. Na versão mais extensa temos algumas peculiaridades. Destacam-se algumas curiosidades com os filmes “Pacto Sinistro” e “Psicose”, assim como as técnicas utilizadas em filmes 3D. Há ainda uma pequena citação quanto ao trabalho de Grace Kelly junto a Hitchcock.

“Robert Burks – Uma Vida no Cinema” vai além, bem além do simples trabalho universitário. É muito mais do que isso. O que temos aqui é uma rápida, porém sólida aula de um dos grandes nomes da direção de fotografia que o cinema já teve, demonstrados através de um trabalho sério, profissional e altamente competente.

E o nosso caro leitor poderá conferir a versão reduzida, bem como tudo o que aqui foi mencionado, através do seguinte link: http://www.youtube.com/watch?v=mjEcjvIATlU.

Já para Ruzene e sua equipe de trabalho, só nos resta parabenizar, desejar boa sorte e aguardar ansiosamente futuras produções, que certamente, mantendo este nível, muito irão agregar ao mundo cinematográfico.

Os estranhos

2009-01-21T18:31:00.000-08:00

Título original – The Strangers
País de origem – EUA
Diretor – Bryan Bertino
Gênero – Suspense
Duração – 85 minutos
Ano – 2008

O longa metragem “Os estranhos” marca a estréia de Bryan Bertino, que além da direção é também responsável pela roteirização da obra. Trata-se de um filme de suspense, porém aqui os fatos são baseados em uma história real.

A narrativa é simples e não foge aos moldes do estilo. Um casal em crise vai para uma casa de veraneio, mas no meio da madrugada são surpreendidos por três mascarados que invadem o local e aterrorizam suas vidas.

Certamente até aqui não temos nenhuma novidade, pois o espectador já assistiu inúmeros filmes que têm argumentação muito semelhante, mas apesar de soar como mais uma repetição, a obra traz gratas surpresas.

As cenas iniciais são informativas. Alertam o público que a obra é baseada em fatos reais. Traz ainda um dado do FBI em relação ao número de crimes violentos cometidos na América. Apesar deste prefácio soar como uma espécie de informativo documental, o filme não tem este caráter e nem esta pretensão.

Após isso, o espectador se depara com travellings interessantes que mostram as belas residências da região. Na sequência, Bertino já nos dá mostras sobre a real proposta da obra, pois as cenas traduzem um pouco da violência que será apresentada no decorrer dos 85 minutos da narrativa.

O casal Kristen e James vive um desentendimento momentâneo. Ambos são interpretados pela bela Liv Tyler e por Scott Speedman, que realizam um trabalho bom e honesto em suas respectivas atuações. O conflito amoroso é mostrado através de flashbacks e de ações no presente, porém passa um pouco do ponto, visto que tais sequências são cansativas e lentas. De qualquer forma, Bertino começa a preparar o terreno para criar um clima de tensão e agonia, e após quase 14 minutos de filme, o espectador recebe os primeiros sinais de que o rumo da narrativa deve mudar.

A história começa então a criar um corpo, e pouco a pouco vai adquirindo um formato muito bem definido e demarcado. A tensão é constante e crescente, a atmosfera é inquietante. O diretor consegue desenvolver um clima que causa desconforto e incômodo para o público.

Grande parte da locação utilizada é composta por cenas internas e noturnas, sendo que o cenário principal é a casa de veraneio. Durante praticamente todo o filme, o diretor faz uso de uma iluminação muito voltada para o âmbar. Em diversos momentos a penumbra se faz presente. A direção de fotografia trabalha de forma eficaz, pois os aspectos mencionados contribuem para criar o clima de suspense.

Certamente o ponto de maior relevância em “Os estranhos” é o aspecto sonoro. A presença de ruídos é intensa. Mais do que isso, o silêncio se manifesta em diversos momentos e parece soar alto. No livro “A Linguagem Cinematográfica”, Marcel Martin traz algumas considerações sobre o som, no que diz respeito às contribuições para o mundo cinematográfico. Ele menciona o realismo ou a impressão da realidade que este elemento pode trazer e diz: “o som aumenta o coeficiente de autenticidade da imagem; a credibilidade – não apenas material, mas estética – da imagem é literalmente multiplicada por dez: o espectador reencontra de fato essa polivalência sensível, essa compenetração de todos os registros perceptivos que nos impõe a presença indivisível do mundo real”. Martin também traz esclarecimentos sobre o silêncio: “...sabemos o papel dramático que ele pode desempenhar como símbolo de morte, ausência, perigo, angústia ou solidão... é capaz de sublinhar com força a tensão dramática de um momento”.

E realmente as teorias de Martin podem ser comprovadas nesta obra. Os sons que recheiam a narrativa trazem o clima de horror, provocam e estimulam o medo e a aflição que se fazem presentes, não somente para os personagens, mas também para o público. E o silêncio, neste caso, é o elemento fundamental para estabelecer a tensão. É ele que praticamente anuncia o perigo que está por vir. E aqui temos os que chamamos de som diegético, ou seja, os sons, ruídos, quanto a ausência deles são registrados tanto pelo personagem quanto pelo espectador, fazendo assim parte da ação narrativa do próprio filme.

É um filme que nos faz lembrar um pouco do que Michael Haneke fez em “Violência Gratuita”, sem é claro ter o mesmo brilho deste, pois aqui a violência não funciona propriamente como uma denúncia ou crítica, mas sim como um elemento que representa e fortalece um gênero, contribuindo para criar o clima de suspense e medo intensos. Vai até um pouco mais além, pois trabalha e reforça o conceito de violência utilizada apenas pelo prazer de provocar a agonia e o desajuste nas vítimas. Não há intenção de roubo, nenhum desejo de bens materiais. O objetivo dos vilões é apenas desordenar, desequilibrar e torturar suas vítimas, gerando assim um completo caos.

É óbvio que também encontramos alguns exageros e atitudes não tão plausíveis que nos fazem questionar a narrativa, mas ainda assim a obra se mostra eficaz quando analisada de uma forma geral e enquanto um filme de gênero é altamente funcional. Há alguns sustos e muita tensão.

O orçamento do filme foi de 10 milhões de dólares, e podemos dizer que Bertino conseguiu se dar bem com seu produto de estréia. “Os estranhos” não é uma grande obra, mas certamente pode ser considerado um filme que é no mínimo interessante, cuja proposta foi atingida, e que irá despertar, especialmente aos amantes do gênero, grande procura e muitos comentários.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://www.adorocinema.com/filmes/estranhos/estranhos.asp>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://www.omelete.com.br/cine/100016563/Os_Estranhos_.aspx>. Acesso em 01.2009.

MARTIN, Marcel. A Linguagem Cinematográfica. São Paulo: Brasiliense. 1ª edição 1990, 279p.

Crepúsculo

2009-01-06T20:41:00.000-08:00

Título original – Twilight
País de origem – EUA
Diretor – Catherine Hardwicke
Gênero – Romance
Duração – 120 minutos
Ano – 2008

Uma adolescente vai morar com o pai em uma cidadezinha nos Estados Unidos. Passa então a frequentar o colégio local, faz novos amigos e acaba se apaixonando por um rapaz bonito, porém estranho e solitário.

Basicamente é isso que iremos encontrar no filme “Crepúsculo”, que é na verdade uma adaptação do romance de Stephenie Meyer, cujo livro já vendeu mais de 5 milhões de cópias no mundo.

Pois bem, além de estranho, o rapaz e toda sua família escondem um segredo que nos é revelado no decorrer do filme. Eles são vampiros. São bonitos, modernos, frequentam a escola, trabalham e enfrentam a luz do dia sem qualquer tipo de dificuldade ou constrangimento e não se alimentam de sangue humano. Em resumo: temos uma situação de extrema dificuldade, visto tratar-se de um romance entre uma simples mortal e um morto vivo dotado de algumas habilidades específicas. E é justamente na relação deste conflito que a obra tenta caminhar.

Não faltam cenas de encher os olhos do espectador. Há belas paisagens naturais mostradas através de planos gerais e algumas tomadas em plongée gravadas através de helicóptero. Além disso, em “Crepúsculo” também temos alguns efeitos especiais que, na maioria das vezes, valorizam os poderes dos vampiros. A trilha sonora é atrativa e composta por músicas agitadas, intensas e frenéticas, trazendo nomes como Linkin Park e Paramore, o que resulta num efeito interessante, pois se encaixa perfeitamente com a proposta fílmica, revelando assim um aspecto a se destacar na obra.

O roteiro é bastante convencional: narrativa linear, os pontos de virada, a presença de heróis e vilões na eterna luta do bem contra o mal e o final tradicional e consequentemente satisfatório. Ainda que seguindo as possíveis fórmulas do sucesso para um filme, vemos que falta algo na obra.

A trama principal, embora não original, é interessante. Há inúmeros filmes que abordam a temática conflituosa do amor ou do sentimento de amizade entre diferentes formas de vida. Já conferimos isso em filmes como “E.T. – O Extra Terrestre” de Steven Spielberg, “A Noiva Cadáver” e “Eduardo Mãos de Tesoura” ambos de Tim Burton e “O feitiço de Áquila” de Richard Donner. Já em “Crepúsculo” não conseguimos identificar a grandiosidade da força dramática conforme conferimos nas obras acima citadas. Grande parte do filme gira em função do romance entre os protagonistas que é fraco, cansativo, inconsistente e não apresenta qualquer tipo de densidade. A proposta do filme realmente não parece ser a de demonstrar profundidade na relação amorosa entre os jovens, mas o problema neste caso é que a narrativa não consegue se sustentar de forma eficaz.

Michel Chion, em seu livro “Roteiro de Cinema”, nos traz uma definição do teórico Dwight V. Swain referente ao antagonista como sendo a pessoa, o elemento ou a força que se opõe aos esforços do personagem principal para alcançar seu objetivo. E justamente o que traz um pouco mais de intensidade e força ao filme, quebrando assim a monotonia do romance, é o surgimento dos antagonistas: um grupo composto por três vampiros (James, Victoria e Laurent) que se alimentam de sangue humano. James é o líder e é ele quem vai ser um dos maiores responsáveis pelas cenas de maior impacto e ação do filme. A partir daí, “Crepúsculo” toma um rumo mais agitado e valoriza assim a figura dos vampiros na narrativa.

Um fator interessante a ser comentado é o paralelismo criado na ação dos antagonistas, pois desde o início do filme vemos cenas rápidas de ataques do trio mencionado acima, que se misturam às cenas da trama principal. Isso desperta a curiosidade do espectador, que posteriormente entende o significado destas cenas, uma vez que os antagonistas são revelados.

Ao mencionar os erros ocorridos nos roteiros, Chion nos traz a seguinte teoria: “Os buracos de história são erros, lacunas ou inconsequências que permanecem inexplicadas na lógica da ação”. Ele ainda complementa: “O buraco de roteiro (ou buraco de história) pode não ser claramente percebido pelo espectador, embora ainda assim deixe uma insatisfação difusa”.

Os buracos a pouco mencionados aparecem em alguns momentos na obra em questão. Algumas situações ficam sem resposta ou qualquer tipo de explicação. Isso acontece nos seguintes casos: Edward Cullen, o jovem vampiro, tem a halibidade de ler os pensamentos das pessoas, porém não conseguimos entender por que ele não consegue fazer isso com os pensamentos de Isabela, a jovem pela qual se apaixona; James começa a perseguir Isabela, porém não nos é explicado o motivo pelo qual o vampiro Laurent, membro da mesma tribo, resolve alertar a família Cullen sobre o grau de periculosidade de James; Victoria, a vampira pertencente ao clã de James, desaparece na narrativa e ressurge posteriormente nos minutos finais da obra, sem que possamos entender o motivo de seu desaparecimento.

Há também uma incoerência na trama referente a uma das habilidades do jovem Cullen. Além do poder de ler mentes, o vampiro possui uma velocidade extrema de locomoção. Ele e Isabela fogem de James, porém não conseguimos entender por que a fuga acontece com o carro, visto que a velocidade de locomoção do vampiro era superior.

Sabemos que este filme é uma adaptação de uma obra literária, e esta possui continuações em outros livros que estão sendo lançados. Muito provavelmente, grande parte das indagações que aqui foram levantadas, talvez sejam respondidas nos livros que serão publicados posteriormente e consequentemente sejam evidenciadas nos próximos filmes.

No livro “A Arte da Adaptação”, a consultora de roteiros Linda Seger nos esclarece o seguinte: “Adaptar uma história é como procurar agulhas em um palheiro”. Ela complementa: “A adaptação exige escolha. Isso siginifica que muito do material que você aprecia deve ser deixado de lado. Acontecimentos poderão ter de receber um novo foco... Se uma trama importante não ajudar a dinâmica dramática da história, deve ser excluída”. A afirmativa colocada por Seger pode nos esclarecer a fragilidade da narrativa e as lacunas aqui comentadas.

Este é o quarto filme dirigido por Catherine Hardwicke, cujo trabalho mais conhecido entre nós é o filme “Aos treze”. “Crepúsculo” foi sucesso de bilheteria nos Estados Unidos, arrecadando no final de semana de estréia US$ 69,6 milhões (R$ 172 milhões). Esta foi a maior estréia nas bilheterias de um filme sob a direção feminina na história do cinema. A diretora já anunciou que não terá como realizar a continuação, que deverá se chamar “Lua Nova”. Esperamos que o próximo filme de Hardwicke, no que diz respeito aos aspectos narrativos, possa tomar um rumo mais forte e seguro do que “Crepúsculo”. Quanto a “Lua Nova”, nos resta torcer para que tenha uma atmosfera mais contagiante, envolvente e densa, deixando assim de ser apenas uma obra com a preocupação de apresentar atores bonitos, cujo objetivo principal é propiciar o deslumbramento do público adolescente, deixando assim, o próprio entretenimento para um segundo plano.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://www.cinepop.com.br/filmes/crepusculo.htm>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://www.mixtotal.net/2008/06/crepsculo-twilight-confira-novidades.html>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u476609.shtml>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u471220.shtml>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Catherine_Hardwicke>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://www.cineplayers.com/perfil.php?id=11596>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Paramore>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://absolutely-insanedois.blogspot.com/2008/11/trilha-sonora-do-filme-crepsculo.html>. Acesso em 01.2009.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Ladyhawke>. Acesso em 01.2009.

SEGER, Linda. A Arte da Adaptação: como transformar fatos e ficção em filme. São Paulo: Ed. Bossa Nova. 1ª edição 2007, 288p.

CHION, Michel. O Roteiro de Cinema. São Paulo: Ed. Martins Fontes. 1ª edição 1989, 288p.

Transamérica

2008-12-25T18:05:00.000-08:00

Título original – Transamerica
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Duncan Tucker
Gênero – Drama
Duração – 103 minutos
Ano – 2005

Bree é uma mulher transexual que está prestes a realizar seu grande desejo. Há apenas alguns dias da data para sua cirurgia de mudança de sexo, ela descobre ser pai de um adolescente de 17 anos. Por incentivo de sua terapeuta, Bree parte em busca de seu filho.

Esta é a trama que move o filme “Transamérica”, o longa metragem que marca a estréia do diretor norte-americano Duncan Tucker. E podemos afirmar que seu primeiro trabalho não é somente bom, porém muito mais do que isso é um trabalho ousado, pois lida com temática forte, densa, complexa e pouco explorada no mundo cinematográfico.

Após rápida introdução sobre um treinamento do uso da voz, o filme inicia com closes de Bree se vestindo, se maquiando, retocando o esmalte das unhas, ajeitando sua lingerie. Ao fundo ouvimos o som de uma música de guerra africana cantada por Miriam Makeba. Essa trilha sonora fala sobre um grupo de jovens que vai para uma batalha e faz aqui uma referência à batalha que Bree enfrenta em seu cotidiano. Tucker diz ter achado bastante apropriado ter colocado esta música junto a esta imagem inicial, reforçando assim as dificuldades da protagonista diante da vida e da sua condição.

As cenas seguintes mostram toda a complexidade que Bree vivencia diante da cirurgia que vai realizar: avaliações psicológicas, uso de hormônios, autorização de assinaturas que a permitam mudar de sexo. Aqui, Tucker já demonstra ao espectador o conjunto de problemas que este tipo de situação pode trazer. E é desta forma que ele vai inserindo o público na vida da personagem.

Para complicar ainda mais a situação, a protagonista descobre que Toby, seu filho, além de rebelde, se encontra no mundo da prostituição e das drogas. Ela então se aproxima dele, porém não revela sua real identidade. A partir daí o público acompanha toda a trajetória de Bree e Toby, através do mergulho no mundo interior de ambos, onde são desvendados medos, fragilidades, segredos e tristezas. Mais do que tudo isso, o que mantém o espectador atento à trama é justamente como e de que forma a protagonista irá contar ao filho a sua verdadeira identidade.

O roteiro, cuja responsabilidade é também do próprio diretor, é eficaz e competente, apresentando uma narrativa linear e composta por pontos de virada, subtramas e conflitos que por vezes justificam e complementam as características dos personagens. Ainda assim, cabe aqui uma ressalva quanto ao clímax, pois o desenrolar da estória caminha de forma crescente e intensa, e no momento da revelação esta intensidade não consegue atingir sua força extrema. O final da trama também surpreende, pois foge um pouco ao que habitualmente vemos nos casos de final feliz, onde tudo se encaixa perfeitamente e termina muito bem. Ao invés disso, Tucker parece apostar mais no final alternativo e até mesmo mais próximo do que provavelmente deveria ocorrer na vida real, fato este que talvez frustre um pouco o público de forma geral.

Apesar da eficácia da narrativa e da temática em si, “Transamérica” traz um outro elemento que é certamente o ponto mais alto e de maior evidência. Este ponto está justamente na interpretação dos atores, cujo destaque está nas mãos de Felicity Huffman, que é bastante conhecida pelo trabalho no seriado “Desperate Housewives”. A respeito da interpretação é o próprio diretor quem afirma: “Sabia que precisava de uma atriz especial. Uma atriz que se transformasse. Alguém que desaparecesse dentro da pele do personagem...”. E desta forma ele consegue um resultado para lá de satisfatório. Huffman aqui aparece como a personagem central da trama. Fugindo de estereótipos, ela realmente dá vida à Bree, tornando-a uma mulher estranha, esquisita, deslocada, misteriosa, com gestos contidos e delicados. Sua interpretação faz com que o espectador, ao longo dos 103 minutos de filme, se apaixone, sofra e torça por ela.

Além de Huffman, outros pontos fortes na atuação estão a cargo de Kevin Zegers e Fionnula Flanagan, que interpretam respectivamente o filho rebelde e a mãe neurótica e cheia de preconceitos.

“Transamérica” mostra um universo de pessoas excluídas, diferentes e que querem, em grande parte das vezes, apenas viver suas vidas de forma digna, honesta e sem máscaras. E não estamos aqui somente falando do universo transexual, pois a obra vai mais além. Explora a exclusão e a problemática do viciado, do prostituído e daqueles que buscam uma vida alternativa sem qualquer vínculo com as regras sociais. Neste último caso estamos especificamente nos referindo ao caronista, que também parece não demonstrar maiores abalos ao saber que Bree é um homem. E é com base nos aspectos acima citados que conseguimos perceber um ligeiro flerte com temáticas já usadas no universo do brilhante Pedro Almodóvar, e que aqui aparecem com uma roupagem diferente, revelando assim as propostas, a marca e o vigor de Tucker.

Adicionado a estes elementos, ainda há a presença do próprio preconceito e desconforto de Bree ao se deparar com outros transexuais. Isso é nitidamente explorado na cena em que ela e o filho ficam alojados na casa de Mary Ellen. Esta cena tem uma certa particularidade, pois todos os presentes, exceto a mulher de rosa, são transexuais na realidade.

A obra foi indicada ao Oscar pela atuação de Felicity Huffman e por melhor canção original (“Travelin' Thru” de Dolly Parton), sendo que Huffman foi a vencedora no festival de Tribeca, Globo de Ouro e Independent Spirit Awards. Tucker também foi vencedor do melhor roteiro de estréia no Independent Spirit Awards.

“Transamérica” é uma obra de baixo orçamento, cujo valor foi de 1 milhão de dólares. Contou com locações em casas de amigos e parentes e alguns objetos de arte emprestados. É um filme em que a idéia surgiu através de uma conversa entre o diretor e uma atriz transexual ao abordarem as percepções dos universos masculino e feminino. É um road movie que aborda a busca do ser humano por sua essência e seus valores, a busca da felicidade. Um filme honesto, que trabalha com toques de humor e emoções moderadas, que faz o público refletir, e que acima de tudo nos revela um cineasta que provavelmente irá despontar como um dos grandes e bons nomes que o mundo cinematográfico tem a nos oferecer.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://pt.wikipedia.org/wiki/Transamerica >. Acesso em 12.2008.

Disponível em: <www.adorocinema.com/filmes/transamerica/transamerica.asp>. Acesso em 12.2008.

Algumas informações encontram-se disponíveis nos extras do próprio DVD.

Fellini 8 ½

2008-11-23T20:23:00.000-08:00

Título original – Otto e Mezzo
País de origem – França / Itália
Diretor – Frederico Fellini
Gênero – Drama
Duração – 138 minutos

Ano – 1963

Em 1963, o cineasta italiano Frederico Fellini lança o filme “Fellini 8 ½”.
Na verdade, Fellini dispensa maiores apresentações, visto ter sido um dos nomes mais respeitáveis da história do cinema e responsável por uma vasta e importante filmografia.

Esta obra lhe rendeu uma série de prêmios, dentre eles o Oscar de melhor filme estrangeiro e melhor figurino, além de indicações para melhores diretor, roteiro original e direção de arte.

O filme é na realidade uma autobiografia e mostra o cineasta, interpretado de forma brilhante por Marcello Mastroianni, vivenciando uma crise criativa quando está prestes a concluir seu novo filme. Além disso, ele vive uma pressão forte diante das cobranças da sua esposa, sua amante, seu produtor e as pessoas que o cercam. Somando-se a isso, há ainda a reflexão do próprio cineasta misturando-se a um universo de recordações, lembranças e desejos.

“Fellini 8 ½” é, portanto, um filme que mostra ao espectador a vida pessoal do cineasta, cercada por conflitos, pressões, dúvidas e anseios, tanto quanto fala a respeito das dificuldades da realização de obras pertencentes à Sétima Arte.

Evidencia assim, a análise dos aspectos humanos vinculado aos aspectos da metalinguagem.
A respeito da crise criativa, é o próprio Fellini quem declarou: “Tinha um produtor, um contrato. Estava na Cinecittà e todos estavam prontos, me aguardando para fazer um filme. O que eles não sabiam era que a minha próxima obra fugira de mim. Os cenários estavam prontos, mas não conseguia encontrar minha inspiração”. Quanto à solução que encontrou, Fellini acrescentou: “Ouvi uma fonte e o barulho de suas águas, tentando ouvir minha voz interior. Então, ouvi a voz baixa da criatividade dentro de mim. Eu sabia. A história que iria contar era de um escritor que não sabia o que escrever”.

Dentre os críticos, houve quem considerasse a obra um delírio. Para estes, Fellini diz que a confusão mental é típica dos reacionários, visto sentirem a necessidade de haver clareza e racionalidade em tudo.

STAM (2006) em seu livro “Introdução à teoria do cinema”, aborda a respeito da teoria cognitivista, cujo intuito é a busca de respostas alternativas mais precisas em relação à recepção cinematográfica, diferenciando-se das teorias semiótica e psicanalítica e levando em conta que os elementos formais “coincidem” com a percepção humana. Neste caso, podemos concluir que a obra em questão possui sua força justamente no aspecto psicanalítico e semiótico, uma vez que a racionalidade por si só não é suficiente para explicar o contexto fílmico. E isso justamente ocorre, pois a obra traz inúmeros elementos ligados ao universo dos sonhos, anseios e delírios.

O diretor escolheu o título do filme tendo como referência sua carreira, pois até a época havia dirigido seis longas metragens, dois episódios de filmes e co-dirigido um longa metragem.

“Fellini 8 ½” é um filme lento, reflexivo, contemplativo. Está entre os 100 melhores filmes de todos os tempos, segundo a lista de Roger Ebert (único crítico ganhador do Pulitzer).

É, sem dúvida alguma, uma obra importante da Sétima Arte, porém não é um filme que agradará ao grande público. Pelo contrário. Altamente recomendável aos apreciadores do mestre.

BIBLIOGRAFIA:

LANG, Carolina. Disponível em: <

http://www.baixadafacil.com.br/zonacultural/conteudo/oitoemeio.htm>. Acesso em: 20 nov.2007.

STAM, Robert. Introdução à teoria do cinema. São Paulo: Ed. Papirus. 2ª Ed. 2006, 398p.

Disponível em: <

http://pt.wikipedia.org/wiki/8%C2%BD>. Acesso em: 24 novembro 2008.

Disponível em: <http://www.cinemaemcena.com.br/ficha_filme.aspx?ID_FILME=2159&aba=detalhe>. Acesso em: 24 novembro 2008.

Violência Gratuita

2008-10-27T21:09:00.000-07:00

Título original – Funny Games
País de origem – Áustria
Diretor – Michael Haneke
Gênero – Suspense
Duração – 103 minutos
Ano – 1997

Uma família sai tranqüilamente de férias em direção a uma bela casa de campo, porém o que deveria ser um período de descanso e lazer, torna-se na verdade, um grande pesadelo. A família recebe a visita de dois desconhecidos que acabam assumindo o controle da casa e da situação, gerando assim um clima de tensão e terror. Aparentemente parece que estamos diante de mais uma obra cinematográfica nos moldes do grande cinemão americano, com direito a todos os elementos que fazem parte do gênero. Grande engano. “Violência gratuita” é muitíssimo mais do que uma simples obra de suspense. Aqui, os sustos e o ritmo acelerado praticamente passam longe, e a ênfase é dada mais ao aspecto da violência, tortura e crueldade propriamente ditas.

O diretor austríaco Michael Haneke já estudou psicologia, filosofia e teatro e começou sua carreira na televisão e no teatro. Sua estréia no cinema aconteceu em 1989 com o filme “Der Siebente Kontinent” (O sétimo continente), que aborda a vida de uma família que comete suicídio. Haneke é um cineasta que trabalha com temática densa, violenta, polêmica e provocativa, tendo em seu currículo filmes como: “Código desconhecido”, “A professora de piano” e “Chaché”.

Na obra aqui analisada, Haneke procura denunciar a violência estilizada, que garante a elevação dos índices televisivos e das bilheterias de cinema, ao mesmo tempo em que aponta o dedo para o espectador, que de certa forma, torna-se um cúmplice. Além de diretor, ele aqui também atua como roteirista.

O filme começa com uma excelente introdução: Uma câmera plongée (de cima para baixo) posicionada transversalmente mostra a estrada com o carro da família em evidência, enquanto a trilha sonora trabalha com uma música lírica e bela. Na seqüência são inseridas imagens da família, que é composta por um casal e um filho que se encontram em plena harmonia. O casal realiza um jogo de adivinhação musical. Neste início, Haneke já faz alusão a uma série de jogos, brincadeiras e adivinhações pelos quais a família, assim como o espectador, terá que enfrentar no decorrer do filme. A música clássica é interrompida de forma repentina e substituída por uma trilha sonora pesada e agitada, com ritmo frenético, alucinante e nervoso. A partir daí são exibidos os créditos iniciais do filme.

Logo nos primeiros minutos da narrativa, a família recebe a visita de Paul e Peter, dois jovens estranhos que estão hospedados com seus vizinhos. A partir daí, de forma lenta, porém intensa, os dois vão dominando a família e instaurando o caos, o desequílibrio e a violência, levando o espectador a um clima de tensão e agonia.

Durante todo o filme, os dois jovens usam vestimenta branca, cor esta que representa a pureza, tranqüilidade, paz e inocência, mas que aqui trabalha de forma antagônica, visto que as atitudes de ambos são justamente opostas à simbologia da cor. Além disso, talvez aqui possamos encontrar alguma analogia ou referência com os nomes, já que Paul e Peter foram dois apóstolos Cristãos.

O jovem Paul, em diversos momentos da narrativa, interage com o público, chamando-o a participar e presenciar suas atrocidades. Este é um recurso bastante eficaz utilizado por Haneke, já que ele aqui pretende cutucar o espectador, reforçando assim sua cumplicidade e passividade diante dos fatos demonstrados. Outro ponto forte de provocação são as imagens exibidas na televisão da família: catástrofes naturais e corridas automobílisticas com resultados desastrosos. E para completar, temos certamente a imagem de maior impacto e ousadia por parte do diretor: o sangue na tela do televisor. Este certamente é o grande ponto de provocação de Haneke em relação aos altos índices de exibição de violência e tragédias que trafegam pela televisão.

Nesta obra podemos também afirmar que o diretor foi muito competente no que diz respeito à direção de atores. São todos absolutamente convincentes, ficando o destaque para Paul e Anna, interpretados respectivamente por Arno Frisch e Susanne Lothar. Paul é o psicopata frio, calculista, desprovido de emoções e habilidoso na execução dos planos perversos, cujo único objetivo é a humilhação do indivíduo, enquanto Susanne é a vítima que vai, pouco a pouco, se degradando e se rebaixando, transformando-se assim em um farrapo humano.

E a tradução do título do filme na versão nacional parece sintetizar perfeitamente a proposta de Haneke, pois a violência aqui acontece de forma gratuita. Paul e Peter não roubam, não querem dinheiro, não querem jóias, nada. Eles querem apenas humilhar, machucar, desestruturar, oprimir e se divertir com a desgraça alheia. Não há outros objetivos que não estes.

“Violência gratuita” não apresenta finais felizes ou que possam de alguma forma agradar a grande platéia. Pelo contrário. Quando parece haver um sinal de que as coisas irão mudar de rumo e o público irá se sentir aliviado, o diretor utiliza recursos para reverter a situação, ainda que tais recursos sejam inverossímeis.

Os diálogos finais abordam as questões entre os universos reais e ficcionais e o quanto estes podem se confundir. E é o próprio Paul quem diz que a ficção é tão real quanto a realidade que conseguimos ver. E desta forma o diretor vai, mais uma vez, apontando o dedo e mostrando a influência do meio televisivo e cinematográfico para o espectador.

O filme foi refilmado em 2007, dez anos após sua estréia, pelo mesmo diretor. A refilmagem é idêntica, inclusive com a utilização de planos e movimentos de câmera, tendo como única diferença a ambientação: o primeiro se passa na Áustria e o segundo nos Estados Unidos.

Indicado a Palma de Ouro no Festival de Cannes, “Violência gratuita” é um filme angustiante, tenso, perturbador e articulado, que traz uma direção precisa e competente, e que consegue, com dignidade e respeito, sobressair-se e impor-se.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://fatorh.blogspot.com/2007/06/funny-games-1997.html>. Acesso em 10.2008.

Disponível em: <

http://pt.wikipedia.org/wiki/Michael_Haneke>. Acesso em 10.2008.

Disponível em: <

http://digestao.wordpress.com/2008/08/31/violencia-gratuita-haneke-refilma-seu-jogo-de-horror/>. Acesso em 10.2008.

Disponível em: <http://veja.abril.com.br/171297/p_136.html>. Acesso em 10.2008.

Bullitt

2008-09-30T06:02:00.000-07:00

Título original – Bullitt
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Peter Yates
Gênero – Policial
Duração – 113 minutos
Ano – 1968

Perseguições com carros em alta velocidade, tiros, assassinatos, subornos, fugas, mistério. Tudo isso engloba o universo do filme “Bullitt”, interpretado pelo ator Steve McQueen e dirigido por Peter Yates, que é o mesmo diretor de filmes como “Os quatro Picaretas”, “Krull” e “Dupla sem par”.

No filme, McQueen vive o policial Frank Bullitt e tem a missão de proteger uma testemunha importante, porém esta acaba sendo assassinada e agora o nosso herói faz de tudo para descobrir o autor do crime. A partir daí, a ação se desenrola e o espectador é levado, juntamente com o protagonista, a vivenciar uma série de perigos.

“Bullitt” é na verdade, um filme policial com todos os elementos que fazem parte do gênero. Vemos em McQueen, um policial durão, apático e de cara fechada, que tem pouquíssimo tempo para a mulher que o ama e para os compromissos sociais e demonstra grande preocupação com a justiça.

Temos diversas cenas de ação, e o grande destaque fica para a seqüência da perseguição de carros, que embora bem feita, chega a ser um pouco extensa e por isso torna-se cansativa. O interessante nesta cena também é que a câmera é colocada dentro do veículo, fazendo assim com que o espectador sinta-se dentro dele, tornando a ação mais real e conseqüentemente mais intensa. Graças a esta seqüência, “Bullitt” é considerado um dos melhores filmes com cenas de carros de todos os tempos.

Os personagens que cercam McQueen não são tão marcantes, mas é interessante mencionarmos a atuação da bela Jacqueline Bisset no papel de Cathy. Ela é a namorada de Frank Bullitt e demonstra seu desconforto diante da frieza e distanciamento do protagonista, que embora demonstre ser um policial exemplar, apresenta-se como um companheiro não tão eficaz assim. É Bisset quem levanta o conflito familiar existente no filme. Neste aspecto, sente-se que falta uma exploração maior do personagem, pois este fica relegado a segundo plano. Este é também um elemento bastante constante nos filmes do gênero, pois a exemplo do super-herói, o policial não consegue dedicar-se à mulher amada.

Outro ponto importante a ser mencionado no filme é a música, pois possui uma trilha sonora calcada no jazz e composta por Lalo Schifrin. Isso acaba combinando com o clima e a atmosfera que o diretor quis imprimir.

A obra ganhou o Oscar de melhor edição e foi também indicado para categoria de melhor som.

“Bullitt” não é um filme contagiante. Pelo contrário. Ele apresenta momentos parados, é um pouco cansativo, possui elementos que hoje consideramos clichê, mas que foram utilizados de forma surpreendente na época e que, de certa forma, influenciaram os filmes mais atuais. Pensando-se em uma obra cinematográfica do ano de 68, conseguimos identificar o quanto o filme foi bem feito e até mesmo inovador e certamente este já é um bom motivo para conferirmos.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

.">http://pt.wikipedia.org/wiki/Bullitt>. Acesso em: 29.09.08

Disponível em: <http://epipoca.uol.com.br/gente_detalhes.php?idg=84875>. Acesso em: 29.09.08

X-Men - O Confronto Final

2008-08-30T23:19:00.000-07:00

Título original – X-Men: The Last stand
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Brett Ratner
Gênero – Aventura
Duração – 104 minutos
Ano – 2006

Brett Ratner é o diretor responsável pela terceira parte da aventura que narra a vida e as dificuldades do mundo mutante. A exemplo de Bryan Singer, diretor dos filmes anteriores, Ratner é também americano e iniciou sua carreira dirigindo vídeoclipes de rap e hip hop. “A hora do rush”, “A hora do rush 2” e “Dragão Vermelho” são alguns dos filmes que fazem parte de sua filmografia. Além de diretor, ele também já assumiu as funções de ator e produtor em outras obras, e foi apontado para assumir a direção de “X-Men” e “Superman – O retorno”, sendo que ambos foram dirigidos por Singer, que é também seu amigo pessoal.

Nesta terceira parte, a fórmula continua basicamente a mesma. Encontramos muita ação, aventura, efeitos especiais, planos gerais belíssimos e, logicamente, a eterna luta do bem contra o mal. Agora os humanos criaram uma cura para a mutação e os portadores desta podem fazer escolhas: continuar como mutantes ou perder seus poderes e características específicas, tornando-se assim, parte da sociedade.

A exemplo do primeiro filme, aqui temos novamente a diferenciação muito bem delineada entre o protagonista, que é liderado pelo Professor Xavier, versus o antagonista, cuja liderança é assumida por Magneto, cujo objetivo é provar que os mais fortes sobrevivem e resistem. Aliado a isso, a Dra. Jean Grey ressurge como Fênix, e demonstra todo o seu poder e habilidade de forma absolutamente desequilibrada e mortal.

Em “X-Men – O confronto final” há também um excesso de personagens, que muitas vezes acabam não sendo muito explorados, e servem apenas como meros coadjuvantes na narrativa. Um exemplo disso é a aparição do Anjo, que é um personagem bastante interessante, mas que parece não ter uma função muito bem definida na história, ainda que Ratner nos mostre sua origem e de forma muito sutil, nos apresente algum conflito resultante de sua mutação.

Um aspecto bastante interessante neste terceiro filme é a origem da Dra. Jean Grey. O filme mostra o encontro dela junto ao Professor Xavier e Magneto, bem como sua falta de controle em relação ao seu poder e habilidade mutantes.

Há cenas muito boas: a fuga do Anjo diante da possibilidade de cura; a luta de Mística no interrogatório; a confronto da Dra. Jean com o Professor Xavier; a perseguição de Fanático em busca de Jimmy.

A busca da real identidade de Wolverine é um ponto de bastante relevância na narrativa dos dois primeiros filmes, mas neste terceiro, esta problemática não é explorada. Wolverine está bastante dedicado ao grupo de mutantes e já não traz mais os mesmos conflitos, angústias e aflições que antes circundavam sua mente. Certamente isso faz com que a complexidade do personagem se minimize, já que esta era uma característica psicológica bastante intensa e importante para sua construção.

O orçamento deste terceiro filme ficou ainda superior ao segundo, pois foram gastos 150 milhões de dólares, enquanto que no anterior a quantia foi de 100 milhões de dólares. Notamos que mesmo com um investimento maior, o filme não consegue chegar à altura dos antecessores.

“X-Men – O confronto final” não é propriamente um filme ruim, mas o espectador fica com uma sensação de que falta algo. Embora a obra apresente pontos interessantes, e de certa maneira, a história siga uma linha bastante próxima aos dois primeiros filmes, a narrativa parece necessitar maior vigor, pois a história soa fraca, insípida, monótona, sem brilho. Certamente, a substituição de Singer por Ratner deve contribuir com tal aspecto.

Ao final dos créditos há uma surpresa. Ela nos leva a crer que existe a possibilidade de uma continuação. Se assim acontecer, esperamos que a próxima obra tenha um destino melhor, pois alto investimento, efeitos especiais e quantidade de personagens não significam por si só, garantia de uma obra eficaz.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://pt.wikipedia.org/wiki/X-Men_3>. Acesso em 07.2008

Disponível em: <http://epipoca.uol.com.br/gente_detalhes.php?idg=9174>. Acesso em 07.2008.

Disponível em: <http://pt.wikipedia.org/wiki/Brett_Ratner>. Acesso em 07.2008.

Disponível em: <http://www.imdb.com/title/tt0376994/>. Acesso em 07.2008.

X-Men 2

2008-07-30T22:15:00.000-07:00

Título original – X2
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Bryan Singer
Gênero – Aventura
Duração – 134 minutos
Ano – 2003

Três anos após o sucesso de X-Men, o diretor Bryan Singer retorna à ativa dando continuidade ao universo dos mutantes e seus conflitos. Em X-Men 2 o panorama não é muito distinto do que vemos no primeiro filme. Pelo contrário. Continuamos a testemunhar a luta do bem contra o mal, porém desta vez, a liderança de Magneto assume uma aliança, ainda que temporária, com o grupo do professor Xavier.

Nossos personagens aqui sofrem um preconceito e uma ameaça ainda maiores. O plano para efetuar o registro dos mutantes, mencionado no primeiro filme, ganha força, e isso fará com que muitos deles fiquem mais expostos à incompreensão do ser humano. A execução do plano fica sob a responsabilidade do militar William Stryker. É ele também quem lidera a invasão da escola de mutantes do professor Xavier. E é diante desta situação que nossa história caminha.

Wolverine (interpretado de forma brilhante e bastante convincente por Hugh Jackman) continua com seus tormentos e busca sua real identidade. Uma das grandes surpresas do filme é que ele consegue recobrar, de forma ínfima, porém bastante significante, um pouco de sua consciência.

Este segundo filme custou 100 milhões de dólares, valor este superior ao que foi gasto no primeiro, cujo orçamento ficou em cerca de 75 milhões de dólares. Isso por si só já nos revela uma preocupação em realizar uma continuação à altura. E é realmente isso que Singer nos apresenta em X-Men 2. Muito mais do que uma simples continuação e mesmo usando uma fórmula semelhante ao primeiro filme, o diretor mostra uma obra cuidadosa e caprichada.

A direção de atores demonstra competência; os efeitos especiais são fantásticos e certamente conseguem, não somente prender, mas também impressionar o espectador; o roteiro, embora simples, é funcional e eficaz; o trabalho de caracterização dos personagens é minucioso. Referente a este último item, a maquiagem de Mística demorava cinco horas para ser finalizada, enquanto que a de Noturno ficava pronta em 8 horas.

X-Men 2 nos traz novos personagens e a maior evidência entre estes é o Noturno. Além de interessante, ele é também o responsável pelo avanço da história, pois logo no início invade a presidência dos Estados Unidos, provocando assim a reação dos seres humanos contra os mutantes, que é na verdade a trama principal da narrativa.

Sem sombra de dúvidas, há duas cenas que mais se destacam na obra: A invasão de Noturno na Casa Branca, em que podemos apreciar a contraposição de uma música lírica e belíssima com a intensidade da ação, e a luta de Wolverine com Lady Letal. Em ambas há muita técnica, boas interpretações, movimentação corporal precisa e altas doses de efeitos especias.

E o que dizer dos mutantes? O dicionário nos traz a seguinte definição: “Diz-se da pessoa ou animal que apresenta características marcadamente distintas das de seus ascendentes”. E X-Men 2 mostra a presença de dois grupos bastante diferenciados: Humanos e mutantes. O primeiro está no topo da pirâmide, é responsável pelo estabelecimento da ordem, do progresso social, enquanto o segundo é o grupo marginalizado, anormal, estranho, esquisito, rejeitado, não aceito e que portanto deve ser exterminado, banido. E quantas vezes, caros leitores, nós não estivemos na posição dos personagens mutantes mostrados no filme ou no mínimo não conhecemos amigos, conhecidos ou até mesmo familiares que se enquadram nesta situação? Gordos, magros, baixos, altos, negros, homossexuais, carecas, cabeludos. Enfim, a lista certamente é interminável.

E é exatamente por todos os aspectos citados que podemos claramente afirmar que X-Men 2 não pode ser enquadrado como um filme de puro entretenimento. Obviamente esta é sua principal função, mas de qualquer forma, a obra nos possibilita outros olhares, leituras e indagações.

E Singer inicia seu filme com uma colocação bastante pertinente: “Mutantes. Desde que foram descobertos têm sido encarados com medo, suspeita e muitas vezes ódio...De qualquer modo, a história nos prova: partilhar o mundo nunca foi uma grande qualidade do homem.” Assista, reflita e tire suas conclusões.

BIBLIOGRAFIA:

Disponível em: <

http://pt.wikipedia.org/wiki/X2>. Acesso em 07.2008.

X-Men

2008-07-16T22:06:00.000-07:00

Título original – X-Men
País de origem – Estados Unidos
Diretor – Bryan Singer
Gênero – Aventura
Duração – 104 minutos
Ano – 2000

Bryan Singer é um diretor norte-americano que teve reconhecimento através do filme “Os suspeitos”, que é na verdade, seu segundo trabalho. Por esta obra ele recebeu o prêmio de melhor diretor no Festival Internacional de Seattle. Cinco anos após a premiação, ele lança o filme “X-Men”, dando assim vida aos famosos personagens da Marvel Comics. O filme fez grande sucesso entre o público e arrecadou mais de 150 milhões de dólares em todo o mundo.

“X-Men” aborda as dificuldades dos mutantes diante dos seres humanos. Há um grupo que é liderado pelo Prof. Charles Xavier, que tem uma escola para a educação de mutantes e se preocupa com o destino da humanidade, bem como com a preservação dos membros da escola. Prof. Xavier direciona o poder dos mutantes para o bem dos seres humanos. Do outro lado temos a presença de Magneto, que é o líder dos mutantes que deseja dominar o mundo. Ele não consegue acreditar na convivência entre os seres humanos e os portadores de mutação.

Paralelamente aos conflitos acima citados, temos a presença de Wolverine, que é um mutante poderoso e que está em busca de sua verdadeira origem e identidade. É desta forma que a história assume forma, conteúdo e se move durante as quase duas horas de exibição.

Em “X-Men” não faltam cenas de ação intensas, efeitos visuais espetaculares e som impecável. Quase não há respiro, pois tudo acontece de forma rápida e frenética, fazendo com que o espectador se impressione com os diversos poderes que se manifestam junto aos mutantes. Há os que atravessam paredes, que voam, que absorvem energia de terceiros. É um universo muito irreal, porém fantástico e incrível.

O filme inicia com uma introdução que aborda de maneira sucinta o fenômeno da mutação, e logo a seguir temos a primeira cena. O espectador é conduzido a um campo de concentração na Polônia e é lá que vemos a primeira demonstração da força de um mutante. A cena é belíssima, apresenta uma boa fotografia, tem intensidade dramática e Singer já nos mostra sua grande capacidade como diretor. Na verdade, esta cena nem mesmo parece pertencer a um filme de aventura, pois dá a impressão de que o público irá assistir uma grandiosa narrativa dramática.

A partir daí, o espectador mergulha no universo destas criaturas dotadas de super-poderes, tendo assim acesso a todo o contexto que as envolve. Não faltam cenas de combate e de demonstração de forças diversas.

Michel Chion, em seu livro “O Roteiro de Cinema”, nos traz a seguinte observação, baseada na teoria proposta por Eugene Vale: “Com muita ação, as personagens tendem a se tornar marionetes; com grande sutileza psicológica (dizem alguns) a ação fica mais lenta e perde sua importância. O ideal seria combinar e ligar estreitamente caráter e ação, o que é mais fácil postular no abstrato do que realizar de fato”. É óbvio que a intenção do filme aqui mencionado é manter o público entretido com as inúmeras cenas de ação, mas ainda assim, mesmo que de forma bastante superficial, identificamos que Singer procura pincelar aqui e ali, alguns aspectos de origem psicológica e existencial que norteiam os personagens do filme.

Um grande exemplo disso é o personagem Wolverine, que se apresenta como uma criatura desconfiada, rude, grosseira, de aspecto quase animalesco. Busca descobrir sua verdadeira identidade, recobrar sua consciência. Na realidade, Wolverine nada mais é do que um personagem atormentado, que busca incessantemente alívio para sua dor, porém em “X-Men” a situação não é vista de forma tão evidente assim.

Fato semelhante ocorre com a personagem Vampira. Ela é uma adolescente insegura e amedrontada, que procura se manter isolada, pois não consegue entender e nem mesmo conviver com seu problema. Desta forma, busca a aceitação das pessoas, da sociedade e certamente sua própria aceitação.

Chion ainda nos traz, baseado em Eugene Vale, a seguinte observação: “Para fazer as personagens se movimentarem é preciso, portanto, uma perturbação da sua tranqüilidade, de seu status quo inicial”. E é exatamente isso que ocorre no caso de Wolverine, que aceita se aliar ao grupo liderado pelo Prof. Xavier, com um único objetivo: descobrir sua verdadeira identidade. Para que o personagem faça parte do grupo, Xavier promete tentar descobrir, com a utilização de seus poderes paranormais, alguma pista para que Wolverine possa realizar a busca por sua real origem.

De fato, “X-Men” é uma história simples, comum, vista inúmeras vezes no cinema. Na obra estão presentes os seguintes elementos: bem x mal; herói x vilão; antagonista x protagonista; consciência x inconsciência; fé x descrença; confiança x insegurança.

Chion diz: “A maioria das histórias, se não todas, comporta um adversário, um inimigo, um oponente, um malvado, antagonista dos desejos, da demanda, da sobrevivência ou da tranqüilidade do herói”. Em “X-Men”, o bem é representado por Xavier e seus seguidores e o mal por Magneto e sua equipe. Chion ainda completa: “Se o antagonista é uma pessoa, procura-se, na maioria das vezes, dar-lhe um mínimo de sedução – sedução física, ou pelo menos, sedução de inteligência, de habilidade”, e Magneto é a prova evidente da teoria de Chion: é hábil, astuto e inteligente.

Há incongruências na obra? Sem dúvida. Basta observar cenas como: o golpe de Wolverine em Mística no momento em que ela está disfarçada de Tempestade (ela não morre e pelo que sabemos ela não tem capacidade regenerativa); o encontro de Wolverine com Vampira no vagão do trem (ele a encontra de forma muito fácil); a fuga de Vampira no início do filme (será que uma garota tão insegura e assustada fugiria sozinha para um local tão distante e com indíviduos tão grotescos?).

De qualquer maneira, “X-Men” apresenta roteiro simples e eficiente, boa direção, e claramente é um tiro certeiro para os que buscam um cinema de entretenimento com qualidade. Vale a pena checar.

BIBLIOGRAFIA:

CHION, Michel. O Roteiro de Cinema. São Paulo: Ed. Martins Fontes. 1ª edição 1989, 288p.
Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/X-Men(filme

). Acesso em 07.2008.
Disponível em:<http://pt.wikipedia.org/wiki/Bryan_Singer>. Acesso em 07.2008.
Disponível em:< http://hqmaniacs.uol.com.br/principal.asp?acao=materias&cod_materia=136>. Acesso em 07.2008.